les.wiki

Escultura

La escultura es la rama de las artes visuales que opera en tres dimensiones . Es una de las artes plásticas . Los procesos escultóricos duraderos utilizaron originalmente el tallado (la eliminación de material) y el modelado (la adición de material, como arcilla), en piedra , metal , cerámica , madera y otros materiales pero, desde el Modernismo , ha habido una libertad casi completa de materiales y proceso. Se puede trabajar una amplia variedad de materiales mediante eliminación, como tallado, ensamblado mediante soldadura o modelado, o moldeado o fundido .

Escultura
Guardián asirio de la puerta lamassu de Khorsabad , circa 800–721 a. C.
Miguel Ángel 's Moisés , (c. 1513-1515), San Pietro in Vincoli , Roma , para la tumba del papa Julio II

La escultura en piedra sobrevive mucho mejor que las obras de arte en materiales perecederos y, a menudo, representa la mayoría de las obras supervivientes (además de la cerámica ) de culturas antiguas, aunque, por el contrario, las tradiciones de la escultura en madera pueden haber desaparecido casi por completo. Sin embargo, la mayoría de las esculturas antiguas estaban pintadas con colores brillantes, y esto se ha perdido. [2]

La escultura ha sido fundamental en la devoción religiosa en muchas culturas, y hasta siglos recientes, las esculturas grandes, demasiado caras para que las crearan los particulares, solían ser una expresión de religión o política. Aquellas culturas cuyas esculturas han sobrevivido en grandes cantidades incluyen las culturas del antiguo Mediterráneo, India y China, así como muchas en Centro y Sudamérica y África.

La tradición occidental de la escultura comenzó en la antigua Grecia , y se considera que Grecia produjo grandes obras maestras en el período clásico . Durante la Edad Media , la escultura gótica representó las agonías y pasiones de la fe cristiana. El renacimiento de los modelos clásicos en el Renacimiento produjo esculturas famosas como el David de Miguel Ángel . La escultura modernista se alejó de los procesos tradicionales y el énfasis en la representación del cuerpo humano, con la realización de esculturas construidas y la presentación de objetos encontrados como obras de arte terminadas.

Tipos

Una distinción básica es entre la escultura en la escultura redonda e independiente, como estatuas , no unidas (excepto posiblemente en la base) a ninguna otra superficie, y los diversos tipos de relieve , que están al menos parcialmente adheridos a una superficie de fondo. . El relieve se clasifica a menudo por el grado de proyección de la pared en bajo o bajorrelieve , alto relieve y, a veces, un medio relieve intermedio . El relieve hundido es una técnica restringida al antiguo Egipto . El relieve es el medio escultórico habitual para grandes grupos de figuras y temas narrativos, que son difíciles de realizar en redondo, y es la técnica típica utilizada tanto para la escultura arquitectónica , que se adjunta a los edificios, como para la escultura a pequeña escala que decora otros objetos. como en gran parte de la alfarería , la orfebrería y la joyería . La escultura en relieve también puede decorar estelas , losas verticales, generalmente de piedra, que a menudo también contienen inscripciones.

Otra distinción básica es entre las técnicas de talla sustractiva, que eliminan material de un bloque o trozo existente, por ejemplo, de piedra o madera, y las técnicas de modelado que dan forma o construyen la obra a partir del material. Técnicas como fundición , estampación y moldeado utilizan una matriz intermedia que contiene el diseño para producir la obra; muchos de ellos permiten la producción de varias copias.

Relieves de roca budista al aire libre en las grutas de Longmen , China

El término "escultura" se utiliza a menudo principalmente para describir obras grandes, que a veces se denominan escultura monumental , es decir, una o ambas esculturas que son grandes o que están adosadas a un edificio. Pero el término cubre adecuadamente muchos tipos de pequeñas obras en tres dimensiones utilizando las mismas técnicas, incluidas monedas y medallas , tallas de piedra dura , un término para pequeñas tallas en piedra que pueden requerir un trabajo detallado.

La estatua muy grande o "colosal" ha tenido un atractivo duradero desde la antigüedad ; la más grande registrada con 182 m (597 pies) es la Estatua de la Unidad India de 2018 . Otra gran forma de escultura de retrato es la estatua ecuestre de un jinete a caballo, que se ha vuelto rara en las últimas décadas. Las formas más pequeñas de escultura de retrato de tamaño natural son la "cabeza", que muestra precisamente eso, o el busto , una representación de una persona desde el pecho hacia arriba. Las pequeñas formas de escultura incluyen la figurilla , normalmente una estatua que no mide más de 18 pulgadas (46 cm) de altura, y para los relieves la placa , medalla o moneda.

Moderno y arte contemporáneo han añadido una serie de formas no tradicionales de la escultura, incluyendo la escultura sonora , escultura de luz , arte ambiental , escultura ambiental , escultura de arte de la calle , escultura cinética (que involucra aspectos de movimiento físico ), land art , y site-specific arte . La escultura es una forma importante de arte público . Una colección de esculturas en un jardín se puede llamar jardín de esculturas .

Finalidades y materias

Moai de la Isla de Pascua , donde la concentración de recursos en grandes esculturas puede haber tenido serios efectos políticos.

Uno de los propósitos más comunes de la escultura es en alguna forma de asociación con la religión. Las imágenes de culto son comunes en muchas culturas, aunque a menudo no son las colosales estatuas de deidades que caracterizaron el arte griego antiguo , como la Estatua de Zeus en Olimpia . Las imágenes de culto reales en los santuarios más recónditos de los templos egipcios , de los cuales ninguno ha sobrevivido, eran evidentemente bastante pequeñas, incluso en los templos más grandes. Lo mismo ocurre a menudo en el hinduismo , donde la forma más simple y antigua del lingam es la más común. El budismo trajo la escultura de figuras religiosas al este de Asia, donde parece que no hubo una tradición equivalente anterior, aunque de nuevo formas simples como bi y cong probablemente tenían un significado religioso.

Las pequeñas esculturas como posesiones personales se remontan al arte prehistórico más antiguo, y el uso de esculturas muy grandes como arte público , especialmente para impresionar al espectador con el poder de un gobernante, se remonta al menos a la Gran Esfinge de hace unos 4.500 años. En arqueología e historia del arte, la aparición, y a veces la desaparición, de esculturas grandes o monumentales en una cultura se considera de gran importancia, aunque rastrear el surgimiento a menudo se complica por la presunta existencia de esculturas en madera y otros materiales perecederos de los que no se tiene constancia. restos; [3]

El tótem es un ejemplo de una tradición de escultura monumental en madera que no dejaría rastros de arqueología. La capacidad de reunir los recursos para crear una escultura monumental, transportando materiales generalmente muy pesados ​​y haciendo arreglos para el pago de los que generalmente se consideran escultores a tiempo completo, se considera una marca de una cultura relativamente avanzada en términos de organización social. Los descubrimientos inesperados recientes de figuras de la Edad del Bronce China antiguas en Sanxingdui , algunas de más del doble del tamaño humano, han perturbado muchas ideas sobre la civilización china temprana, ya que anteriormente solo se conocían bronces mucho más pequeños. [4]

Algunas culturas indudablemente avanzadas, como la civilización del valle del Indo , parecen no haber tenido ninguna escultura monumental, aunque produjeron estatuillas y sellos muy sofisticados. La cultura del Misisipio parece haber ido progresando hacia su uso, con pequeñas figuras de piedra, cuando colapsó. Otras culturas, como el antiguo Egipto y la cultura de la Isla de Pascua , parecen haber dedicado enormes recursos a la escultura monumental a muy gran escala desde una etapa muy temprana.

Medalla de Juan VIII Paleólogo , c. 1435, de Pisanello , la primera medalla de retrato, un medio esencialmente hecho para el coleccionismo.

La colección de esculturas, incluida la de períodos anteriores, se remonta a unos 2.000 años en Grecia, China y Mesoamérica, y muchas colecciones estaban disponibles en exhibición semipública mucho antes de que se inventara el museo moderno . A partir del siglo XX, la gama relativamente restringida de temas que se encuentran en la gran escultura se expandió enormemente, con temas abstractos y el uso o representación de cualquier tipo de tema ahora común. Hoy en día, gran parte de la escultura está hecha para su exhibición intermitente en galerías y museos, y la capacidad de transportar y almacenar las obras cada vez más grandes es un factor en su construcción. Las pequeñas figurillas decorativas , la mayoría de las veces en cerámica, son tan populares hoy (aunque extrañamente descuidadas por el arte moderno y contemporáneo ) como lo fueron en el rococó o en la antigua Grecia cuando las figurillas de Tanagra eran una industria importante, o en Asia oriental y precolombina. arte . Los pequeños accesorios esculpidos para muebles y otros objetos se remontan a la antigüedad, como en los marfiles de Nimrud , los marfiles de Begram y los hallazgos de la tumba de Tutankamón .

La escultura de retratos comenzó en Egipto, donde la paleta Narmer muestra a un gobernante del siglo 32 a. C., y Mesopotamia , donde tenemos 27 estatuas sobrevivientes de Gudea , que gobernó Lagash c. 2144-2124 a. C. En la antigua Grecia y Roma, la erección de una estatua de retrato en un lugar público era casi la marca de honor más alta y la ambición de la élite, que también podría estar representada en una moneda. [5] En otras culturas, como Egipto y el Cercano Oriente, las estatuas públicas eran casi exclusivamente propiedad del gobernante, y otras personas ricas solo se representaban en sus tumbas. Los gobernantes son típicamente las únicas personas a las que se les dan retratos en las culturas precolombinas, comenzando con las colosales cabezas olmecas de hace unos 3.000 años. La escultura de retratos de Asia oriental era completamente religiosa, y el clero destacado se conmemoraba con estatuas, especialmente los fundadores de monasterios, pero no gobernantes ni antepasados. La tradición mediterránea revivió, inicialmente solo para las efigies y monedas de las tumbas, en la Edad Media, pero se expandió mucho en el Renacimiento, que inventó nuevas formas como la medalla de retrato personal .

Los animales son, con la figura humana, el tema más temprano de la escultura, y siempre han sido monstruos populares, a veces realistas, pero a menudo imaginarios; en China, los animales y los monstruos son casi los únicos temas tradicionales para la escultura en piedra fuera de las tumbas y los templos. El reino de las plantas es importante solo en joyería y relieves decorativos, pero estos forman casi todas las grandes esculturas del arte bizantino y el arte islámico , y son muy importantes en la mayoría de las tradiciones euroasiáticas, donde motivos como la palmeta y el rollo de enredadera han pasado al este y al al oeste durante más de dos milenios.

Una forma de escultura que se encuentra en muchas culturas prehistóricas de todo el mundo son las versiones especialmente ampliadas de herramientas, armas o vasijas ordinarias creadas con materiales preciosos poco prácticos, ya sea para alguna forma de uso ceremonial o exhibición o como ofrendas. El jade u otros tipos de piedra verde se usaron en China, el México olmeca y la Europa neolítica , y en la Mesopotamia temprana se produjeron grandes formas de cerámica en piedra. El bronce se utilizó en Europa y China para grandes hachas y hojas, como el Oxborough Dirk .

Materiales y tecnicas

Adorador masculino sumerio , alabastro con ojos de concha, 2750-2600 a. C.

Los materiales utilizados en la escultura son diversos, cambiando a lo largo de la historia. Los materiales clásicos, con una durabilidad sobresaliente, son el metal, especialmente el bronce , la piedra y la cerámica, mientras que la madera, el hueso y la asta son opciones menos duraderas pero más económicas. Los materiales preciosos como el oro , la plata , el jade y el marfil se utilizan a menudo para pequeñas obras de lujo y, a veces, en otras más grandes, como en las estatuas criselefantinas . Se utilizaron materiales más comunes y menos costosos para la escultura para un consumo más amplio, incluidas maderas duras (como roble , boj / boj y tilo / tilo ); terracota y otras cerámicas , cera (un material muy común para modelos para fundición y recepción de impresiones de sellos de cilindros y gemas grabadas), y metales fundidos como peltre y zinc (spelter). Pero una gran cantidad de otros materiales se han utilizado como parte de las esculturas, tanto en obras etnográficas y antiguas como en obras modernas.

Las esculturas a menudo se pintan , pero comúnmente pierden su pintura por el tiempo o los restauradores. Se han utilizado muchas técnicas de pintura diferentes para hacer esculturas, que incluyen témpera , pintura al óleo , dorado , pintura para casas, aerosol, esmalte y pulido con chorro de arena. [2] [6]

Muchos escultores buscan nuevas formas y materiales para hacer arte. Una de las esculturas más famosas de Pablo Picasso incluía piezas de bicicleta . Alexander Calder y otros modernistas hicieron un uso espectacular del acero pintado . Desde la década de 1960, también se han utilizado acrílicos y otros plásticos. Andy Goldsworthy hace sus inusualmente efímeras esculturas a partir de materiales casi en su totalidad naturales en entornos naturales. Algunas esculturas, como las de hielo , de arena y de gas , son deliberadamente efímeras. Los escultores recientes han utilizado vidrieras , herramientas, piezas de máquinas, hardware y envases de consumo para dar forma a sus obras. Los escultores a veces usan objetos encontrados , y las rocas de los eruditos chinos se han apreciado durante muchos siglos.

Roca

Reconstrucción moderna de la apariencia pintada original de una figura de mármol griega del Arcaico Tardío del Templo de Aphaea , basada en el análisis de huellas de pigmento, [7] c. 500 a. C.

La escultura en piedra es una actividad antigua en la que se forman piezas de piedra natural en bruto mediante la eliminación controlada de piedra . Debido a la permanencia del material, se puede encontrar evidencia de que incluso las sociedades más antiguas se permitieron alguna forma de trabajo en piedra, aunque no todas las áreas del mundo tienen tanta buena piedra para tallar como Egipto, Grecia, India y la mayor parte de Europa. . Los petroglifos (también llamados grabados rupestres) son quizás la forma más antigua: imágenes creadas quitando parte de una superficie de roca que permanece in situ , mediante incisión, picoteo, tallado y abrasión. La escultura monumental abarca grandes obras, y la escultura arquitectónica , que se adjunta a los edificios. El tallado en piedra dura es el tallado con fines artísticos de piedras semipreciosas como jade , ágata , ónix , cristal de roca , sarda o cornalina , y un término general para un objeto hecho de esta manera. El alabastro o yeso mineral es un mineral blando que es fácil de tallar para trabajos más pequeños y aún relativamente duradero. Las gemas grabadas son pequeñas gemas talladas, incluidos los camafeos , que se utilizaron originalmente como anillos de sello .

La copia de una estatua original en piedra, que era muy importante para las estatuas griegas antiguas, que casi todas se conocen por copias, se lograba tradicionalmente " señalando ", junto con métodos más a mano alzada. Señalar implicó establecer una cuadrícula de cuadrados de cuerda en un marco de madera que rodea el original, y luego medir la posición en la cuadrícula y la distancia entre la cuadrícula y la estatua de una serie de puntos individuales, y luego usar esta información para tallar en el bloque de que se realiza la copia. [8]

Metal

Ludwig Gies , placa de hierro fundido , 8 x 9,8 cm, Refugiados , 1915

El bronce y las aleaciones de cobre relacionadas son los metales más antiguos y aún más populares para las esculturas de metal fundido ; una escultura de bronce fundido a menudo se llama simplemente "bronce". Las aleaciones de bronce comunes tienen la propiedad inusual y deseable de expandirse ligeramente justo antes de fraguar, llenando así los detalles más finos de un molde. Su resistencia y falta de fragilidad (ductilidad) es una ventaja cuando se van a crear figuras en acción, especialmente cuando se compara con varios materiales cerámicos o de piedra (ver escultura de mármol para varios ejemplos). El oro es el metal más blando y precioso, y muy importante en joyería ; con plata es lo suficientemente suave para trabajar con martillos y otras herramientas, así como para fundir; el repujado y la persecución se encuentran entre las técnicas empleadas en la orfebrería y la orfebrería .

La fundición es un grupo de procesos de fabricación mediante los cuales un material líquido (bronce, cobre, vidrio, aluminio, hierro) se vierte (generalmente) en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. La fundición sólida se expulsa o rompe para completar el proceso, [9] aunque puede seguir una etapa final de "trabajo en frío" en la fundición final. La fundición se puede utilizar para formar metales líquidos calientes o varios materiales que se endurecen en frío después de mezclar los componentes (como epoxis , hormigón , yeso y arcilla ). La fundición se usa con mayor frecuencia para hacer formas complejas que de otro modo serían difíciles o antieconómicas de hacer con otros métodos. El molde más antiguo que se conserva es una rana mesopotámica de cobre del 3200 a. C. [10] Las técnicas específicas incluyen la fundición a la cera perdida , la fundición con moldes de yeso y la fundición en arena .

La soldadura es un proceso en el que diferentes piezas de metal se fusionan para crear diferentes formas y diseños. Hay muchas formas diferentes de soldadura, tales como Oxy-combustible de soldadura , soldadura de varilla , soldadura MIG , y la soldadura TIG . El oxicombustible es probablemente el método de soldadura más común cuando se trata de crear esculturas de acero porque es el más fácil de usar para dar forma al acero, así como para hacer uniones limpias y menos perceptibles del acero. La clave para la soldadura con oxicombustible es calentar cada pieza de metal para unirla uniformemente hasta que todas estén rojas y tengan brillo. Una vez que ese brillo está en cada pieza, ese brillo pronto se convertirá en un 'charco' donde el metal se licúa y el soldador debe conseguir que los charcos se unan, fusionando el metal. Una vez enfriado, el lugar donde se unieron las piscinas ahora es una pieza continua de metal. También se utiliza mucho en la creación de esculturas de Oxy-fuel en la forja. La forja es el proceso de calentar el metal hasta cierto punto para ablandarlo lo suficiente como para darle diferentes formas. Un ejemplo muy común es calentar el extremo de una varilla de acero y golpear la punta caliente con un martillo mientras está sobre un yunque para formar una punta. Entre golpes de martillo, el falsificador hace girar la varilla y forma gradualmente una punta afilada a partir del extremo romo de una varilla de acero.

Vidrio

Dale Chihuly , 2006, ( vidrio soplado )

El vidrio se puede utilizar para la escultura a través de una amplia gama de técnicas de trabajo, aunque su uso para obras grandes es un desarrollo reciente. Se puede tallar con considerable dificultad; la Copa Romana Licurgo es única. [11] La fundición en caliente se puede hacer colocando vidrio fundido en moldes que se han creado presionando formas en arena, grafito tallado o moldes detallados de yeso / sílice. El vidrio para colar en horno implica calentar trozos de vidrio en un horno hasta que se vuelvan líquidos y fluyan a un molde de espera debajo de él en el horno. El vidrio también se puede soplar y / o esculpir en caliente con herramientas manuales, ya sea como una masa sólida o como parte de un objeto soplado. Las técnicas más recientes implican cincelar y unir placas de vidrio con silicatos poliméricos y luz ultravioleta. [12]

Bodhisattva de madera tallada de la dinastía Song de China 960-1279, Museo de Shanghai

cerámica

La cerámica es uno de los materiales más antiguos para la escultura, y la arcilla es el medio en el que muchas esculturas fundidas en metal se modelan originalmente para su fundición. Los escultores suelen construir pequeñas obras preliminares llamadas maquetas de materiales efímeros como yeso de París , cera, arcilla sin cocer o plastilina . [13] Muchas culturas han producido cerámica que combina una función como recipiente con una forma escultórica, y las figurillas pequeñas a menudo han sido tan populares como lo son en la cultura occidental moderna. La mayoría de las civilizaciones antiguas utilizaron sellos y moldes, desde la antigua Roma y Mesopotamia hasta China. [14]

Talla de madera

Detalle de la Crucifixión de Jesucristo, español, madera y policromía, 1793.

El tallado en madera se ha practicado ampliamente, pero sobrevive mucho menos que los otros materiales principales, ya que es vulnerable a la descomposición, los daños por insectos y el fuego. Por tanto, constituye un importante elemento oculto en la historia del arte de muchas culturas. [3] La escultura de madera al aire libre no dura mucho en la mayor parte del mundo, por lo que tenemos poca idea de cómo se desarrolló la tradición del tótem . Muchas de las esculturas más importantes de China y Japón en particular son de madera, y la gran mayoría de la escultura africana y la de Oceanía y otras regiones.

La madera es liviana, por lo que es adecuada para máscaras y otras esculturas destinadas a ser transportadas, y puede tomar detalles muy finos. También es mucho más fácil de trabajar que la piedra. Muy a menudo se ha pintado después de tallar, pero la pintura se desgasta menos que la madera y, a menudo, falta en las piezas supervivientes. La madera pintada a menudo se describe técnicamente como "madera y policromía ". Por lo general, se aplica una capa de yeso o yeso a la madera y luego se aplica la pintura.

Situación social de los escultores

Adam Kraft , escultor de Nuremberg , autorretrato de la iglesia de St Lorenz , década de 1490.

En todo el mundo, los escultores suelen ser comerciantes cuyo trabajo no está firmado; en algunas tradiciones, por ejemplo en China, donde la escultura no compartía el prestigio de la pintura de los literatos , esto ha afectado el estatus de la escultura en sí. [15] Incluso en la antigua Grecia , donde escultores como Fidias se hicieron famosos, parecen haber conservado el mismo estatus social que otros artesanos, y quizás no recompensas económicas mucho mayores, aunque algunos firmaron sus obras. [16] En la Edad Media, artistas como Gislebertus del siglo XII a veces firmaban su trabajo, y eran buscados por diferentes ciudades, especialmente desde el Trecento en adelante en Italia, con figuras como Arnolfo di Cambio , Nicola Pisano y su hijo. Giovanni . Los orfebres y joyeros, que comerciaban con materiales preciosos y a menudo se desempeñaban como banqueros, pertenecían a gremios poderosos y tenían un estatus considerable, a menudo ocupando cargos cívicos. Muchos escultores también practicaron otras artes; Andrea del Verrocchio también pintó, y Giovanni Pisano , Michelangelo y Jacopo Sansovino fueron arquitectos . Algunos escultores mantuvieron grandes talleres. Incluso en el Renacimiento, Leonardo da Vinci y otros percibieron la naturaleza física de la obra como una degradación del estatus de la escultura en las artes, aunque la reputación de Miguel Ángel quizás acabó con esta idea tan arraigada.

Desde el Alto Renacimiento, artistas como Miguel Ángel, Leone Leoni y Giambologna pudieron enriquecerse, ennoblecerse y entrar en el círculo de los príncipes, después de un período de duras discusiones sobre el estado relativo de la escultura y la pintura. [17] Gran parte de la escultura decorativa en edificios siguió siendo un oficio, pero los escultores que producían piezas individuales eran reconocidos al mismo nivel que los pintores. A partir del siglo XVIII o antes, la escultura también atrajo a estudiantes de clase media, aunque fue más lenta que la pintura. Las mujeres escultoras tardaron más en aparecer que las mujeres pintoras, y fueron menos prominentes hasta el siglo XX.

Movimientos anti-escultura

El aniconismo permaneció restringido al judaísmo , que no aceptó la escultura figurativa hasta el siglo XIX, [18] antes de expandirse al cristianismo primitivo , que inicialmente aceptó grandes esculturas. En el cristianismo y el budismo, la escultura se volvió muy significativa. La ortodoxia cristiana oriental nunca ha aceptado la escultura monumental, y el Islam ha rechazado sistemáticamente casi toda la escultura figurativa, a excepción de las figuras muy pequeñas en relieves y algunas figuras de animales que cumplen una función útil, como los famosos leones que sostienen una fuente en la Alhambra . Muchas formas de protestantismo tampoco aprueban la escultura religiosa. Ha habido mucha iconoclasia de la escultura por motivos religiosos, desde los primeros cristianos, la tormenta de Belén de la Reforma Protestante hasta la destrucción de los Budas de Bamyan en 2001 por los talibanes .

Historia

Periodos prehistóricos

Europa

Venus de Hohle Fels (también conocida como la Venus de Schelklingen ; es una figura de Venus del Paleolítico superior tallada en marfil de un colmillo de mamut encontrado en 2008 cerca de Schelklingen , Alemania . Está fechada entre 35.000 y 40.000 años atrás, perteneciente a los primeros Auriñacienses. , al comienzo del Paleolítico superior , que se asocia con la presunta presencia más temprana del Homo sapiens en Europa ( Cro-Magnon ). Junto con el Löwenmensch , es el ejemplo indiscutible más antiguo de arte del Paleolítico superior y del arte figurativo prehistórico en general. .

Los primeros ejemplos indiscutibles de escultura pertenecen a la cultura auriñaciense , que estaba ubicada en Europa y el suroeste de Asia y activa al comienzo del Paleolítico superior . Además de producir algunas de las primeras artes rupestres conocidas , la gente de esta cultura desarrolló herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricando colgantes, brazaletes, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figurillas tridimensionales. [19] [20]

El Löwenmensch de 30 cm de altura que se encuentra en el área de Hohlenstein Stadel en Alemania es una figura antropomórfica de hombre león tallada en marfil de mamut lanudo . Se ha fechado entre el 35 y el 40.000 a. C.  , lo que lo convierte, junto con la Venus de Hohle Fels , en el ejemplo indiscutible más antiguo conocido de arte figurativo. [21]

Gran parte del arte prehistórico sobreviviente son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figuras femeninas de Venus , como la Venus de Willendorf (24-26 000 a. C.  ) encontradas en Europa central. [22] El reno nadador de hace unos 13.000 años es una de las más finas tallas magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico superior , aunque son superadas en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como esculturas. . [23] Dos de las esculturas prehistóricas más grandes se pueden encontrar en las cuevas de Tuc d'Audobert en Francia, donde hace unos 12 a 17.000 años un escultor magistral utilizó una herramienta de piedra con forma de espátula y dedos para modelar un par de grandes bisontes en arcilla. contra una roca caliza. [24]

Con el comienzo del Mesolítico en Europa, la escultura figurativa se redujo considerablemente, [25] y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad del Hierro europea y el Carro solar Trundholm de la Edad de Bronce . [26]

Antiguo Cercano Oriente

Desde el antiguo Cercano Oriente , el Urfa Man de piedra de tamaño extravagante de la Turquía moderna proviene de aproximadamente 9.000 a. C., y las estatuas de 'Ain Ghazal de alrededor de 7200 y 6500 a. C. Estos son del Jordán moderno , hechos de yeso de cal y juncos, y tienen aproximadamente la mitad de su tamaño natural; hay 15 estatuas, algunas con dos cabezas una al lado de la otra, y 15 bustos. Pequeñas figuras de arcilla de personas y animales se encuentran en muchos sitios en el Cercano Oriente desde el Neolítico Pre-Cerámico , y representan el comienzo de una tradición más o menos continua en la región.

Antiguo Cercano Oriente

Sello de cilindro con su impresión sobre arcilla; Serpopardos y águilas, Período Uruk, 4100-3000 a. C.

El período Protoliterado en Mesopotamia , dominado por Uruk , vio la producción de obras sofisticadas como el Vaso Warka y los sellos cilíndricos . La leona de Guennol es una pequeña figura de piedra caliza de Elam de aproximadamente 3000-2800 a. C., en parte humana y en parte leona. [27] Un poco más tarde hay una serie de figuras de sacerdotes y adoradores de grandes ojos, en su mayoría en alabastro y de hasta un pie de altura, que asistieron al templo con imágenes de culto de la deidad, pero muy pocas de ellas han sobrevivido. [28] Las esculturas del período sumerio y acadio generalmente tenían ojos grandes y fijos y barbas largas en los hombres. También se han encontrado muchas obras maestras en el cementerio real de Ur (c. 2650 a. C.), incluidas las dos figuras de un carnero en un matorral , el toro de cobre y una cabeza de toro en una de las liras de Ur . [29]

De los muchos períodos posteriores antes del ascenso del Imperio neoasirio en el siglo X a. C., el arte mesopotámico sobrevive en una serie de formas: sellos cilíndricos , figuras relativamente pequeñas en forma redonda y relieves de varios tamaños, incluidas placas baratas de cerámica moldeada. para el hogar, algunos religiosos y otros aparentemente no. [30] El relieve de Burney es una placa de terracota inusualmente elaborada y relativamente grande (20 x 15 pulgadas, 50 x 37 cm) de una diosa desnuda alada con patas de ave de presa, y búhos y leones acompañantes. Proviene de los siglos XVIII o XIX a. C. y también se puede moldear. [31] En los templos también se encuentran estelas de piedra , ofrendas votivas o probablemente para conmemorar victorias y mostrar fiestas, que a diferencia de las más oficiales carecen de inscripciones que las expliquen; [32] la estela fragmentaria de los buitres es un ejemplo temprano del tipo inscrito, [33] y el obelisco negro asirio de Salmanasar III uno tardío grande y sólido. [34]

La conquista de toda Mesopotamia y gran parte del territorio circundante por los asirios creó un estado más grande y más rico de lo que la región había conocido antes, y un arte muy grandioso en palacios y lugares públicos, sin duda con la intención en parte de igualar el esplendor del arte de la región. vecino imperio egipcio. A diferencia de los estados anteriores, los asirios podían usar piedra tallada fácilmente del norte de Irak, y lo hicieron en gran cantidad. Los asirios desarrollaron un estilo de esquemas extremadamente grandes de bajorrelieves narrativos muy finamente detallados en piedra para palacios, con escenas de guerra o caza; el Museo Británico tiene una colección excepcional, que incluye la caza del león de Ashurbanipal y los relieves de Laquis que muestran una campaña. Produjeron muy poca escultura en redondo, a excepción de colosales figuras guardianas del lamassu con cabeza humana , que están esculpidas en alto relieve en dos lados de un bloque rectangular, con las cabezas efectivamente en redondo (y también cinco patas, de modo que ambas vistas parecen completas). Incluso antes de dominar la región, habían continuado la tradición de los sellos de cilindros con diseños que a menudo son excepcionalmente enérgicos y refinados. [35]

Antiguo Egipto

Thutmose , Busto de Nefertiti , 1345 a.C., Museo Egipcio de Berlín

La escultura monumental del antiguo Egipto es mundialmente famosa, pero existen obras pequeñas refinadas y delicadas en un número mucho mayor. Los egipcios utilizaron la técnica distintiva del relieve hundido , que se adapta bien a la luz solar muy brillante. Las figuras principales en los relieves se adhieren a la misma convención de figuras que en la pintura, con las piernas separadas (cuando no están sentadas) y la cabeza se muestra desde el costado, pero el torso desde el frente, y un conjunto estándar de proporciones que componen la figura, utilizando 18 "puños" para ir desde el suelo hasta la línea del cabello en la frente. [36] Esto aparece ya en la paleta Narmer de la dinastía I. Sin embargo, allí como en otros lugares, la convención no se usa para figuras menores que se muestran involucradas en alguna actividad, como los cautivos y los cadáveres. [37] Otras convenciones hacen que las estatuas de hombres sean más oscuras que las de mujeres. Las estatuas de retratos muy convencionales aparecen desde la Dinastía II, antes del 2780 a. C., [38] y con la excepción del arte del período de Amarna de Ahkenaten , [39] y algunos otros períodos como la Dinastía XII, las características idealizadas de los gobernantes. , como otras convenciones artísticas egipcias, cambió poco hasta después de la conquista griega. [40]

Los faraones egipcios siempre fueron considerados deidades, pero otras deidades son mucho menos comunes en las estatuas grandes, excepto cuando representan al faraón como otra deidad; sin embargo, las otras deidades se muestran con frecuencia en pinturas y relieves. La famosa hilera de cuatro estatuas colosales fuera del templo principal de Abu Simbel muestra a Ramsés II , un esquema típico, aunque aquí excepcionalmente grande. [41] Las pequeñas figuras de deidades, o sus personificaciones animales, son muy comunes y se encuentran en materiales populares como la cerámica. La mayoría de las esculturas más grandes sobreviven de templos o tumbas egipcias ; por la dinastía IV (2680-2565 a. C.), a más tardar, la idea de la estatua de Ka quedó firmemente establecida. Estos fueron colocados en tumbas como un lugar de descanso para la porción ka del alma , por lo que tenemos un buen número de estatuas menos convencionalizadas de administradores acomodados y sus esposas, muchas en madera, ya que Egipto es uno de los pocos lugares en el mundo. mundo donde el clima permite que la madera sobreviva durante milenios. Las llamadas cabezas de reserva , cabezas lisas y sin pelo, son especialmente naturalistas. Las primeras tumbas también contenían pequeños modelos de esclavos, animales, edificios y objetos como botes necesarios para que el difunto continuara su estilo de vida en el más allá , y más tarde figuras de Ushabti . [42]

Europa

Antigua Grecia

Auriga de Delfos , escultura de bronce de la antigua Grecia , siglo V a.C., detalle de la cabeza de cerca

El primer estilo distintivo de la escultura griega antigua se desarrolló en el período cicládico de la Edad del Bronce Antiguo (tercer milenio a. C.), donde las figuras de mármol, generalmente femeninas y pequeñas, están representadas en un estilo geométrico elegantemente simplificado. Lo más típico es una pose de pie con los brazos cruzados al frente, pero otras figuras se muestran en diferentes poses, incluida una complicada figura de un arpista sentado en una silla. [43]

Las culturas minoica y micénica posteriores desarrollaron aún más la escultura, bajo la influencia de Siria y otros lugares, pero fue en el período Arcaico posterior , alrededor del 650 a. C., cuando se desarrollaron los kouros . Se trata de grandes estatuas de pie de jóvenes desnudos, que se encuentran en templos y tumbas, con el kore como el equivalente femenino vestido, con cabello elaboradamente vestido; ambos tienen la " sonrisa arcaica ". Parecen haber cumplido una serie de funciones, tal vez a veces representando a deidades y a veces a la persona enterrada en una tumba, como con los Kroisos Kouros . Están claramente influenciados por los estilos egipcio y sirio, pero los artistas griegos estaban mucho más dispuestos a experimentar dentro del estilo.

Durante el siglo VI, la escultura griega se desarrolló rápidamente, volviéndose más naturalista y con poses de figuras mucho más activas y variadas en escenas narrativas, aunque todavía dentro de convenciones idealizadas. Se agregaron frontones esculpidos a los templos , incluido el Partenón de Atenas, donde afortunadamente los restos del frontón de alrededor de 520 con figuras redondas se utilizaron como relleno para nuevos edificios después del saqueo persa en 480 a. C., y se recuperaron a partir de la década de 1880 en adelante. condición fresca sin intemperie. Otros restos importantes de escultura arquitectónica provienen de Paestum en Italia, Corfú , Delfos y el Templo de Aphaea en Egina (mucho ahora en Munich ). [44] La mayoría de las esculturas griegas originalmente incluían al menos algo de color; el Museo Ny Carlsberg Glyptotek en Copenhague, Dinamarca, ha realizado una extensa investigación y recreación de los colores originales. [45] [46]

Clásico
Alto relieve clásico alto de los mármoles de Elgin , que originalmente decoraba el Partenón , c. 447–433 a. C.

Hay menos restos originales de la primera fase del período clásico, a menudo llamado estilo Severo ; Las estatuas independientes ahora estaban hechas en su mayoría en bronce, que siempre tuvo valor como chatarra. El estilo Severo duró desde alrededor de 500 en relieves, y poco después de 480 en estatuas, hasta alrededor de 450. Las poses relativamente rígidas de las figuras se relajaron y las posiciones de giro asimétricas y las vistas oblicuas se hicieron comunes y deliberadamente buscadas. Esto se combinó con una mejor comprensión de la anatomía y la estructura armoniosa de las figuras esculpidas, y la búsqueda de la representación naturalista como un objetivo, que no había estado presente antes. Las excavaciones en el Templo de Zeus, Olimpia desde 1829 han revelado el grupo más grande de restos, de aproximadamente 460, de los cuales muchos se encuentran en el Louvre . [47]

El período del "alto clásico" duró sólo unas pocas décadas, desde alrededor de 450 a 400, pero ha tenido una influencia trascendental en el arte y conserva un prestigio especial, a pesar de un número muy limitado de supervivencias originales. Las obras más conocidas son los mármoles del Partenón , ejecutados tradicionalmente (desde Plutarco ) por un equipo dirigido por el escultor griego antiguo más famoso Fidias , activo desde aproximadamente 465-425, que en su época fue más famoso por su colosal estatua criselefantina de Zeus. en Olimpia (c. 432), una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo , su Atenea Partenos (438), la imagen de culto del Partenón , y Atenea Promachos , una colosal figura de bronce que se encontraba junto al Partenón; todos estos se pierden pero se conocen a partir de muchas representaciones. También se le acredita como el creador de algunas estatuas de bronce de tamaño natural conocidas solo por copias posteriores cuya identificación es controvertida, incluido el Ludovisi Hermes . [48]

El estilo del Alto Clásico continuó desarrollando el realismo y la sofisticación en la figura humana, y mejoró la representación de las cortinas (ropa), usándolo para aumentar el impacto de las poses activas. Las expresiones faciales solían ser muy moderadas, incluso en escenas de combate. La composición de grupos de figuras en relieves y frontones combinó complejidad y armonía de una manera que tuvo una influencia permanente en el arte occidental. El alivio podría ser realmente muy alto, como en la ilustración del Partenón a continuación, donde la mayor parte de la pierna del guerrero está completamente separada del fondo, al igual que las partes faltantes; El relieve de esta altura hacía que las esculturas estuvieran más sujetas a daños. [49] El estilo Clásico Tardío desarrolló la estatua desnuda femenina independiente, supuestamente una innovación de Praxíteles , y desarrolló poses cada vez más complejas y sutiles que eran interesantes cuando se veían desde varios ángulos, así como rostros más expresivos; ambas tendencias iban a llevarse mucho más lejos en el período helenístico. [50]

Helenístico
El estilo Pérgamo del período helenístico, desde el Altar de Pérgamo , principios del siglo II.

El período helenístico está fechado convencionalmente a partir de la muerte de Alejandro Magno en 323 a. C., y termina con la conquista final del corazón griego por Roma en 146 a. C. o con la derrota final del último estado sucesor restante del imperio de Alejandro después de la Batalla de Actium en 31 a. C., que también marca el final de la Roma republicana . [51] Por lo tanto, es mucho más largo que los períodos anteriores e incluye al menos dos fases principales: un estilo de experimentación "Pergamene", exuberancia y algo de sentimentalismo y vulgaridad, y en el siglo II a. C., un regreso clasicista a una simplicidad más austera. y elegancia; más allá de estas generalizaciones, la datación suele ser muy incierta, especialmente cuando solo se conocen copias posteriores, como suele ser el caso. El estilo inicial de Pérgamo no se asoció especialmente con Pérgamo , de donde toma su nombre, pero los muy ricos reyes de ese estado fueron de los primeros en coleccionar y también copiar la escultura clásica, y también encargaron muchas obras nuevas, incluido el famoso Altar de Pérgamo. cuya escultura está ahora mayoritariamente en Berlín y que ejemplifica el nuevo estilo, al igual que el Mausoleo de Halicarnaso (otra de las Siete Maravillas), el famoso Laocoonte y sus hijos en los Museos Vaticanos , un ejemplo tardío, y el original de bronce de The Dying Galia (ilustrada en la parte superior), que sabemos que era parte de un grupo que en realidad se encargó de Pérgamo alrededor del 228 a. C., del cual el Galo Ludovisi también era una copia. El grupo llamado Toro Farnesio , posiblemente un original de mármol del siglo II, es aún más grande y más complejo, [52]

Las pequeñas figuras de terracota griegas eran muy populares como adornos en el hogar.

La escultura helenística amplió enormemente la gama de temas representados, en parte como resultado de una mayor prosperidad general, y el surgimiento de una clase muy adinerada que tenía grandes casas decoradas con esculturas, aunque sabemos que algunos ejemplos de temas que parecen más adecuados para el hogar , como los niños con animales, de hecho fueron colocados en templos u otros lugares públicos. Para un mercado de decoración del hogar mucho más popular, estaban las figurillas de Tanagra y las de otros centros donde se producían pequeñas figuras de cerámica a escala industrial, algunas religiosas pero otras que mostraban animales y damas elegantemente vestidas. Los escultores se volvieron más hábiles técnicamente para representar expresiones faciales que transmiten una amplia variedad de emociones y el retrato de personas, además de representar diferentes edades y razas. Los relieves del mausoleo son bastante atípicos en ese sentido; la mayor parte del trabajo era independiente, y las composiciones grupales con varias figuras que se veían en la ronda, como Laocoonte y el grupo de Pérgamo celebrando la victoria sobre los galos se hicieron populares, habiendo sido raras antes. El Fauno de Barberini , que muestra a un sátiro tendido dormido, presumiblemente después de beber, es un ejemplo de la relajación moral de la época y la disposición a crear esculturas grandes y costosas de sujetos que no llegan a ser heroicos. [53]

Después de las conquistas de Alejandro, la cultura helenística fue dominante en las cortes de la mayor parte del Cercano Oriente y parte de Asia Central , y fue adoptada cada vez más por las élites europeas, especialmente en Italia, donde las colonias griegas inicialmente controlaban la mayor parte del Sur. El arte y los artistas helenísticos se difundieron ampliamente y fueron especialmente influyentes en la expansión de la República Romana y cuando se encontró con el budismo en las extensiones más orientales del área helenística. El enorme sarcófago de Alejandro que se encuentra en Sidón en el Líbano moderno probablemente fue construido allí al comienzo del período por artistas griegos expatriados para un gobernador persa helenizado. [54] La riqueza de la época condujo a un gran aumento de la producción de formas de lujo de pequeñas esculturas, incluidas gemas grabadas y camafeos, joyas y orfebrería y platería.

Europa después de los griegos

Escultura romana
Sección de la columna de Trajano , CE 113, con escenas de las guerras dacias

El arte romano temprano fue influenciado por el arte de Grecia y el de los etruscos vecinos , ellos mismos muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies de tumbas de tamaño natural en terracota , por lo general sobre la tapa de un sarcófago apoyada en un codo en la pose de un comensal en ese período. A medida que la república romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, primero en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico, excepto en el lejano oriente parto , la escultura oficial y patricia se convirtió en gran parte en una extensión del estilo helenístico, del que es difícil encontrar elementos específicamente romanos. desenredar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive sólo en copias del período romano. [55] En el siglo II a. C., "la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma" eran griegos, [56] a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores seguían siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos los nombres se registran muy raramente. Un gran número de estatuas griegas fueron importadas a Roma, ya sea como botín o como resultado de la extorsión o el comercio, y los templos a menudo se decoraban con obras griegas reutilizadas. [57]

Se puede ver un estilo italiano nativo en los monumentos de las tumbas, que muy a menudo presentaban bustos de retratos de prósperos romanos de clase media, y el retrato es posiblemente la principal fortaleza de la escultura romana. No hay supervivencias de la tradición de las máscaras de los antepasados ​​que se usaban en procesiones en los funerales de las grandes familias y que se exhibían en el hogar, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas familiares como la Tumba de los Escipiones o posterior mausolea fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce, supuestamente de Lucius Junius Brutus, está fechada de manera muy diversa, pero se toma como una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce. [58] De manera similar se ven cabezas severas y contundentes en las monedas de la República Tardía, y en el período imperial, las monedas y los bustos enviados alrededor del Imperio para ser colocados en las basílicas de las ciudades provinciales eran la principal forma visual de propaganda imperial; incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón , aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdido. [59]

Estilo grecorromano del estado de Augusto en el Ara Pacis , 13 a. C.

En general, los romanos no intentaron competir con las obras griegas independientes de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con continuos relieves narrativos que serpenteaban a su alrededor. que conmemora a Trajano (113 d. C.) y Marco Aurelio (hacia 193) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis ("Altar de la paz", 13 a. C.) representa el estilo grecorromano oficial en su forma más clásica y refinada. Entre otros ejemplos importantes se encuentran los primeros relieves reutilizados en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161), [60] Los relieves de Campana eran versiones de cerámica más baratas de los relieves de mármol y el gusto por los relieves era de los imperiales. período ampliado al sarcófago. Todas las formas de esculturas pequeñas de lujo continuaron siendo patrocinadas, y la calidad podría ser extremadamente alta, como en la Copa Warren de plata , la Copa Lycurgus de vidrio y grandes camafeos como Gemma Augustea , Gonzaga Cameo y el " Gran Cameo de Francia ". [61] Para una sección mucho más amplia de la población, se produjeron decoraciones en relieve moldeadas de vasijas de cerámica y pequeñas figurillas en gran cantidad y, a menudo, de una calidad considerable. [62]

Después de pasar por una fase "barroca" de finales del siglo II, [63] en el siglo III, el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente se volvió incapaz de producir, la escultura en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes mostraban ahora figuras achaparradas de ojos grandes en un estilo frontal áspero, en composiciones sencillas que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El contraste se ilustra en el famoso Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones en el nuevo estilo con rondas en el estilo grecorromano completo anterior tomado de otra parte, y los Cuatro Tetrarcas (c. 305) de la nueva capital de Constantinopla , ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas "proporciones rechonchas, movimientos angulares, un ordenamiento de las partes mediante simetría y repetición y una representación de rasgos y pliegues de cortinas a través de incisiones en lugar de modelar ... El sello distintivo del estilo dondequiera que aparece consiste en un enfática dureza, pesadez y angulosidad; en definitiva, un rechazo casi total de la tradición clásica ”. [64]

Esta revolución de estilo precedió en breve al período en el que el cristianismo fue adoptado por el estado romano y la gran mayoría del pueblo, lo que provocó el fin de la gran escultura religiosa, con grandes estatuas que ahora solo se utilizan para los emperadores. Sin embargo, los cristianos ricos continuaron encargando relieves para sarcófagos, como en el sarcófago de Junius Bassus , y los cristianos continuaron con esculturas muy pequeñas, especialmente en marfil, basándose en el estilo del díptico consular . [sesenta y cinco]

Medieval temprano y bizantino
Monstruo plateado en una capa , escocés o anglosajón, Tesoro de la isla de San Niniano , c. 800?
La Cruz de Gero , c. 965–970, Colonia, Alemania. El primer gran ejemplo del renacimiento de la gran escultura

Los primeros cristianos se oponían a la escultura religiosa monumental, aunque continuaban las tradiciones romanas en bustos de retratos y relieves de sarcófagos , así como en objetos más pequeños como el díptico consular. Dichos objetos, a menudo en materiales valiosos, fueron también las principales tradiciones escultóricas (hasta donde se sabe) de las civilizaciones bárbaras del período de la migración , como se ve en los objetos encontrados en el tesoro funerario del siglo VI en Sutton Hoo , y las joyas del arte escita y las producciones híbridas de estilo cristiano y animal del arte insular . Siguiendo la continua tradición bizantina, el arte carolingio revivió la talla de marfil, a menudo en paneles para las encuadernaciones del tesoro de grandes manuscritos iluminados , así como cabezas de báculo y otros pequeños accesorios.

El arte bizantino , a pesar de producir soberbios relieves de marfil y tallas decorativas arquitectónicas, nunca volvió a la escultura monumental, ni siquiera a una pequeña escultura redonda. [66] Sin embargo, en Occidente, durante los períodos carolingio y otoniano , se inició una producción de estatuas monumentales, en los tribunales y en las principales iglesias. Esto se extendió gradualmente; a finales del siglo X y XI hay registros de varias esculturas aparentemente de tamaño natural en iglesias anglosajonas , probablemente de metal precioso alrededor de un marco de madera, como la Virgen de Oro de Essen . No ha sobrevivido ningún ejemplo anglosajón, [67] y las supervivencias de grandes esculturas no arquitectónicas anteriores a 1000 son excepcionalmente raras. La más fina es la Cruz de Gero , de 965 a 970, que es un crucifijo , que evidentemente era el tipo de escultura más común; Carlomagno había instalado uno en la Capilla Palatina de Aquisgrán alrededor del año 800. Estos continuaron creciendo en popularidad, especialmente en Alemania e Italia. Las piedras rúnicas del mundo nórdico , las piedras pictas de Escocia y posiblemente los altos relieves de cruces de la Gran Bretaña cristiana, fueron tradiciones escultóricas del norte que unieron el período de cristianización.

románico
El León de Brunswick , 1166, el primer gran molde hueco de una figura desde la antigüedad, 1,78 metros de altura y 2,79 metros de largo.

Desde aproximadamente el año 1000 hubo un renacimiento general de la producción artística en toda Europa, liderado por el crecimiento económico general en la producción y el comercio, y el nuevo estilo de arte románico fue el primer estilo medieval que se utilizó en toda Europa Occidental. Las nuevas catedrales y las iglesias de peregrinos se decoraron cada vez más con relieves arquitectónicos de piedra, y se desarrollaron nuevos enfoques para la escultura, como el tímpano sobre las puertas de las iglesias en el siglo XII, y la capital habitada con figuras y, a menudo, escenas narrativas. Entre las iglesias de la abadía destacadas con esculturas se incluyen en Francia Vézelay y Moissac y en España Silos . [68]

El arte románico se caracterizó por un estilo muy vigoroso tanto en la escultura como en la pintura. Los capiteles de las columnas nunca fueron más emocionantes que en este período, cuando a menudo estaban tallados con escenas completas con varias figuras. [69] El gran crucifijo de madera fue una innovación alemana justo al comienzo del período, al igual que las estatuas independientes de la Virgen entronizada, pero el alto relieve fue sobre todo el modo escultórico de la época. Las composiciones por lo general tenían poca profundidad y debían ser flexibles para ajustarse a las formas de los capiteles y los típanos de las iglesias; la tensión entre un marco muy envolvente, del que a veces se escapa la composición, es un tema recurrente en el arte románico. Las figuras todavía variaban a menudo en tamaño en relación con su importancia, apenas existían retratos.

Los objetos en materiales preciosos como el marfil y el metal tenían un estatus muy alto en el período, mucho más que la escultura monumental; conocemos los nombres de más creadores de estos que pintores, iluminadores o arquitectos-albañiles. La orfebrería, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada, y han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia por Nicolás de Verdún . El candelabro de bronce Gloucester y la fuente de bronce de 1108-17 ahora en Lieja son excelentes ejemplos, muy diferentes en estilo, de fundición de metal, la primera muy intrincada y enérgica, basada en pintura manuscrita, mientras que la fuente muestra el estilo Mosan en su máxima expresión. clásico y majestuoso. Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios de la Catedral de Hildesheim , las Puertas Gniezno y las puertas de la Basílica de San Zeno en Verona son otras supervivencias sustanciales. El aquamanile , un recipiente para lavarse con agua, parece haber sido introducido en Europa en el siglo XI y, a menudo, adoptó fantásticas formas zoomorfas ; los ejemplos supervivientes están en su mayoría en latón. Muchas impresiones de cera de sellos impresionantes sobreviven en cartas y documentos, aunque las monedas románicas generalmente no son de gran interés estético. [70]

La Cruz de los Claustros es un crucifijo de marfil inusualmente grande , con tallas complejas que incluyen muchas figuras de profetas y otros, que se ha atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre se conoce, el maestro Hugo , que también iluminó manuscritos. Como muchas piezas, originalmente estaba parcialmente coloreada. Las piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos bien conservados de pequeños marfiles, de los cuales quedan muchas piezas o fragmentos de báculo , placas, cruces pectorales y objetos similares.

gótico
Virgen y Niño de marfil francés, finales del siglo XIII, 25 cm de alto, curvado para adaptarse a la forma del colmillo de marfil

El período gótico está esencialmente definido por la arquitectura gótica y no encaja del todo con el desarrollo del estilo en la escultura ni en su inicio ni en su final. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, continuaron teniendo grandes típanos, pero también hileras de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor. Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres (c. 1145) muestran un alargamiento columnar elegante pero exagerado, pero las del portal del crucero sur , de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un creciente desprendimiento de la pared detrás y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal oeste de la catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi redondas, como se hizo habitual a medida que el gótico se extendía por Europa. [71]

En Italia, Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama proto-renacimiento , con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y abarrotadas, incluido un manejo comprensivo de la desnudez, en paneles en relieve en su púlpito de La catedral de Siena (1265-1268) , la Fontana Maggiore en Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301. [72] Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. [73] La escultura del gótico tardío continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos en madera muy grandes con una talla cada vez más virtuosa y un gran número de figuras expresivas agitadas; la mayoría de los ejemplos supervivientes se encuentran en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente las influencias del Renacimiento italiano. [74]

Las efigies de tumbas de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares entre los ricos, y evolucionaron grandes tumbas de varios niveles, con las Tumbas Scaliger de Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles en gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían permitirse retablos de piedra. [75] Las tallas pequeñas, para un mercado principalmente laico y, a menudo, femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y en algunos otros centros. Los tipos de marfiles incluían pequeños polípticos devocionales , figuras únicas, especialmente de la Virgen , estuches de espejos, peines y ataúdes elaborados con escenas de romances , utilizados como regalos de compromiso. [76] La recogida extravagante determinar maneras enjoyado y esmaltado carpintería metálica muy rico, tanto seculares como religiosos, como el Duque de Berry 's Santa Espina relicario , hasta que se quedó corto de dinero, cuando se fundieron de nuevo por dinero en efectivo. [77]

Renacimiento

Miguel Ángel , Piedad , 1499
Miguel Ángel , La tumba del Papa Julio II , c. 1545, con estatuas de Raquel y Lea a la izquierda y a la derecha de su Moisés.

La escultura renacentista propiamente dicha se toma a menudo para comenzar con el famoso concurso por las puertas del Baptisterio de Florencia en 1403, del que sobreviven los modelos de prueba presentados por el ganador, Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi . Las puertas de Ghiberti todavía están en su lugar, pero sin duda fueron eclipsadas por su segundo par para la otra entrada, las llamadas Puertas del Paraíso , que lo llevaron de 1425 a 1452, y son composiciones clasicistas deslumbrantemente seguras con variadas profundidades de relieve que permiten amplios fondos. . [78] Los años intermedios habían visto desarrollarse al primer ayudante de Ghiberti, Donatello, con estatuas seminales que incluían sus David en mármol (1408–09) y bronce (1440), y su estatua ecuestre de Gattamelata , así como relieves. [79] Una figura destacada en el período posterior fue Andrea del Verrocchio , mejor conocido por su estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni en Venecia; [80] su alumno Leonardo da Vinci diseñó una escultura equina en 1482 El caballo para Milán , pero solo logró hacer un modelo de arcilla de 24 pies (7,3 m) que fue destruido por arqueros franceses en 1499, y sus otros ambiciosos planes escultóricos fueron nunca completado. [81]

El período estuvo marcado por un gran aumento en el patrocinio de la escultura por parte del estado para el arte público y de los ricos para sus hogares; especialmente en Italia, la escultura pública sigue siendo un elemento crucial en la apariencia de los centros históricos de las ciudades. La escultura de la iglesia se movió principalmente hacia adentro, al igual que los monumentos públicos externos se hicieron comunes. La escultura de retrato, generalmente en bustos, se hizo popular en Italia alrededor de 1450, con el napolitano Francesco Laurana especializado en mujeres jóvenes en poses meditativas, mientras que Antonio Rossellino y otros representaron con más frecuencia hombres de negocios de rostros nudosos, pero también niños pequeños. [82] La medalla de retrato inventada por Pisanello también representaba a menudo a mujeres; las placas en relieve fueron otra nueva forma de escultura pequeña en metal fundido.

Miguel Ángel fue un escultor activo desde aproximadamente 1500 hasta 1520, y sus grandes obras maestras, como el David , la Piedad , el Moisés y las piezas para la Tumba del Papa Julio II y la Capilla de los Medici, no pudieron ser ignoradas por los escultores posteriores. Su icónico David (1504) tiene una pose de contrapposto , tomada de la escultura clásica. Se diferencia de las representaciones anteriores del tema en que se representa a David antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En lugar de mostrarse victorioso, como habían hecho Donatello y Verocchio, David parece tenso y listo para la batalla. [83]

Manierista

Adriaen de Vries , Mercurio y Psique en bronce de tamaño natural manierista del norte , realizado en 1593 para Rodolfo II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico .

Al igual que en la pintura, la primera escultura manierista italiana fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que supere el logro del Alto Renacimiento , que en escultura significaba esencialmente Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograrlo se llevó a cabo en encargos para completar otros lugares en la Piazza della Signoria de Florencia, junto al David de Miguel Ángel . Baccio Bandinelli asumió el proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero fue un poco más popular de lo que es ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero en aparentemente introduciendo paneles en relieve en el pedestal de estatuas por primera vez. Como otras obras suyas y de otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que hubiera hecho Miguel Ángel. [84] El Perseo de bronce de Cellini con la cabeza de Medusa es ciertamente una obra maestra, diseñada con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, pero de hecho es educada en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. [85] Originalmente un orfebre, su famoso Salero de oro y esmalte (1543) fue su primera escultura, y muestra su talento en su máxima expresión. [86] Como muestran estos ejemplos, el período amplió la gama de temas seculares para grandes obras más allá de los retratos, con figuras mitológicas especialmente favorecidas; anteriormente estos se habían encontrado principalmente en obras pequeñas.

Pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionista , a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma popular del Renacimiento en la que Giambologna , originalmente flamenca pero con sede en Florencia, se destacó en la última parte del siglo, creando también esculturas de tamaño natural, de las cuales dos se unieron al colección en la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes ejemplos alargados de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que resultaban interesantes desde todos los ángulos. [87]

Barroco y rococó

Gian Lorenzo Bernini , Apolo y Daphne en la Galleria Borghese , 1622–1625

En la escultura barroca, los grupos de figuras asumieron una nueva importancia, y hubo un movimiento dinámico y energía de las formas humanas: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista que se alejaba del relieve hacia la escultura creada en círculo y estaba diseñada para colocarse en el medio de un gran espacio: fuentes elaboradas como la Fontana dei Quattro de Bernini. Fiumi (Roma, 1651) o los de los Jardines de Versalles eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, siendo Gian Lorenzo Bernini la figura dominante de la época en obras como El éxtasis de santa Teresa (1647-1652). [88] Gran parte de la escultura barroca agregó elementos extraesculturales, por ejemplo, iluminación oculta o fuentes de agua, o fusionó escultura y arquitectura para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se veían a sí mismos como en la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y posterior romana, más que la de los períodos más "clásicos" como se ven hoy. [89]

La Reforma Protestante detuvo casi por completo la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente para bustos de retratos y monumentos funerarios , continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. [90] En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo romano como en la Baja Edad Media. Las estatuas de gobernantes y la nobleza se hicieron cada vez más populares. En el siglo XVIII, gran parte de la escultura continuó en líneas barrocas: la Fontana de Trevi se completó solo en 1762. El estilo rococó se adaptaba mejor a obras más pequeñas y posiblemente encontró su forma escultórica ideal en la porcelana europea temprana y los esquemas decorativos de interiores en madera o yeso como como los de los interiores domésticos franceses y las iglesias de peregrinación de Austria y Baviera . [91]

Neoclásico

Antonio Canova : Psique revivida por el beso de amor , 1787

El estilo neoclásico que llegó a finales del siglo XVIII dio un gran énfasis a la escultura. Jean-Antoine Houdon ejemplifica la penetrante escultura de retrato que el estilo podría producir, y los desnudos de Antonio Canova muestran el aspecto idealista del movimiento. El período neoclásico fue una de las grandes edades de la escultura pública, aunque era más probable que sus prototipos "clásicos" fueran copias romanas de esculturas helenísticas. En escultura, los representantes más conocidos son el italiano Antonio Canova , el inglés John Flaxman y el danés Bertel Thorvaldsen . El estilo neoclásico europeo también se afianzó en los Estados Unidos, donde su apogeo ocurrió algo más tarde y se ejemplifica en las esculturas de Hiram Powers .

Asia

Escultura greco-budista y Asia
Una de las primeras representaciones de Buda , siglos I-II d.C., Gandhara

El arte greco-budista es la manifestación artística del greco-budismo , un sincretismo cultural entre la cultura griega clásica y el budismo , que se desarrolló durante un período de cerca de 1000 años en Asia Central, entre las conquistas de Alejandro Magno en el siglo IV a. C. , y las conquistas islámicas del siglo VII d.C. El arte greco-budista se caracteriza por el fuerte realismo idealista del arte helenístico y las primeras representaciones del Buda en forma humana, que han ayudado a definir el canon artístico (y particularmente escultórico) del arte budista en todo el continente asiático hasta el presente. Aunque la datación es incierta, parece que los estilos fuertemente helenísticos persistieron en Oriente durante varios siglos después de su declive en el Mediterráneo, hasta el siglo V d.C. Se adoptaron algunos aspectos del arte griego, mientras que otros no se extendieron más allá del área greco-budista; en particular, la figura de pie, a menudo con una pose relajada y una pierna flexionada, y los cupidos voladores o victorias, que se hicieron populares en toda Asia como apsaras . La decoración de follaje griego también fue influyente, apareciendo versiones indias del capitel corintio . [92]

Los orígenes del arte greco-budista se encuentran en el reino helenístico greco-bactriano (250-130 a. C.), ubicado en el actual Afganistán , desde donde la cultura helenística irradió al subcontinente indio con el establecimiento del pequeño reino indo-griego ( 180-10 a. C.). Bajo los indo-griegos y luego los kushans , la interacción de la cultura griega y budista floreció en el área de Gandhara , en el actual norte de Pakistán, antes de extenderse más a la India, influyendo en el arte de Mathura y luego en el arte hindú del imperio Gupta. , que se extendería al resto del sudeste asiático. La influencia del arte greco-budista también se extendió hacia el norte hacia Asia Central , afectando fuertemente el arte de la cuenca del Tarim y las cuevas de Dunhuang , y finalmente la figura esculpida en China, Corea y Japón. [93]

porcelana

Bodhisattva Guanyin sentado , madera y pigmento, siglo XI, dinastía Song del Norte .

Los bronces rituales chinos de las dinastías Shang y Western Zhou provienen de un período de más de mil años a partir de c. 1500 a. C., y han ejercido una influencia continua sobre el arte chino . Están hechos con una decoración zoomorfa y de patrones complejos , pero evitan la figura humana, a diferencia de las figuras gigantes descubiertas recientemente en Sanxingdui . [94] El espectacular Ejército de Terracota se reunió para la tumba de Qin Shi Huang , el primer emperador de una China unificada desde el 221 al 210 a. C., como una gran versión imperial de las figuras colocadas durante mucho tiempo en las tumbas para permitir que los difuntos disfruten de las mismas. estilo de vida en el más allá como cuando estaba vivo, reemplazando los sacrificios reales de períodos muy tempranos. Figuras más pequeñas en cerámica o madera se colocaron en tumbas durante muchos siglos después, alcanzando un pico de calidad en las figuras de las tumbas de la dinastía Tang . [95] La tradición de figuras de cerámica inusualmente grandes persistió en China, desde figuras de tumbas de Tang sancai hasta estatuas budistas posteriores, como el conjunto de luohans de cerámica vidriada de Yixian y figuras posteriores para templos y tumbas. Estos vinieron a reemplazar a los equivalentes anteriores en madera.

Las religiones chinas nativas no suelen utilizar imágenes de culto de deidades, ni siquiera las representan, y las grandes esculturas religiosas son casi todas budistas, datan principalmente del siglo IV al XIV e inicialmente utilizan modelos greco-budistas que llegan a través de la Ruta de la Seda . El budismo es también el contexto de todos los grandes retratos escultóricos; en total contraste con algunas otras áreas, en la China medieval incluso las imágenes pintadas del emperador se consideraban privadas. Las tumbas imperiales tienen espectaculares avenidas de acceso bordeadas de animales reales y mitológicos a una escala similar a la de Egipto, y versiones más pequeñas decoran templos y palacios. [96]

Se produjeron pequeñas figuras y grupos budistas con una calidad muy alta en una variedad de medios, [97] al igual que la decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en metalistería y jade . [98] En los períodos anteriores, se cortaron grandes cantidades de escultura de la roca viva en los complejos de cuevas de peregrinación y como relieves de roca en el exterior . En su mayoría fueron pintados originalmente. En notable contraste con los pintores literatos , los escultores de todo tipo eran considerados artesanos y se registran muy pocos nombres. [99] Desde la dinastía Ming en adelante, se produjeron estatuillas de figuras religiosas y seculares en porcelana china y otros medios, lo que se convirtió en una exportación importante.

Japón

Nara Daibutsu , c. 752, Nara , Japón

Hacia el final de la larga neolítica período Jōmon , algunas vasijas de cerámica eran "llama de montura" con extensiones extravagantes a la llanta que sólo puede ser llamado escultural, [102] y de la cerámica muy estilizado Doğu figuras se produjeron, muchas de ellas con la nieve característica" -ojos de goggle ". Durante el período Kofun del siglo III al VI EC, se erigieron figuras de terracota haniwa de humanos y animales en un estilo simplista fuera de tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo VI trajo consigo tradiciones sofisticadas en escultura, estilos chinos mediados a través de Corea. El Hōryū-ji del siglo VII y su contenido han sobrevivido más intactos que cualquier templo budista del este de Asia de su fecha, con obras que incluyen una Trinidad Shaka de 623 en bronce, que muestra al Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también a los Reyes Guardianes de la Cuatro direcciones . [103]

Se dice que Jōchō es uno de los más grandes escultores budistas no solo en el período Heian sino también en la historia de las estatuas budistas en Japón. Jōchō redefinió la forma del cuerpo de las estatuas de Buda perfeccionando la técnica del "yosegi zukuri" (寄 木造 り), que es una combinación de varias maderas. La expresión pacífica y la figura elegante de la estatua de Buda que hizo completaron un estilo japonés de escultura de estatuas de Buda llamado "Jōchō yō" (estilo Jōchō, 定 朝 様) y determinaron el estilo de las estatuas budistas japonesas del período posterior. Su logro elevó dramáticamente el estatus social de busshi (escultor budista) en Japón. [104]

En el período Kamakura , el clan Minamoto estableció el shogunato Kamakura y la clase samurái prácticamente gobernó Japón por primera vez. Los sucesores de Jocho, escultores de la escuela de estatuas budistas Kei , crearon estatuas realistas y dinámicas para satisfacer los gustos de los samuráis, y la escultura budista japonesa alcanzó su punto máximo. Unkei , Kaikei y Tankei eran famosos e hicieron muchas estatuas de Buda nuevas en muchos templos como Kofuku-ji , donde muchas estatuas de Buda se habían perdido en guerras e incendios. [105]

Casi todas las grandes esculturas importantes posteriores en Japón fueron budistas, con algunos equivalentes sintoístas , y después de que el budismo disminuyó en Japón en el siglo XV, la escultura monumental se convirtió en gran parte en decoración arquitectónica y menos significativa. [106] Sin embargo, el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló a un nivel notable de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales y tosogu de metal o montajes de espadas japonesas . En el siglo XIX hubo industrias de exportación de pequeñas esculturas de bronce de virtuosismo extremo, figuritas de marfil y porcelana, y otros tipos de pequeñas esculturas, enfatizando cada vez más los logros técnicos.

  • Vasija 'estilo llama', período Neolítico de Jōmon ; C. 2750 a. C.; loza con decoración tallada y aplicada; altura: 61 cm, diámetro: 55,8 cm

  • Dogū con ojos de "anteojos de nieve", 1000–400 a. C.

  • Figura haniwa del siglo VI

  • Kongo Rishiki (Deidad Guardiana) en la Puerta Central de Hōryū-ji

  • Sacerdote Ganjin (Jianzhen), período de Nara , siglo VIII

  • Taishakuten Śakra , 839, Tō-ji

  • Dainichi Nyorai por Unkei , 1176, en Enjō-ji

  • Espada Tsuba con un "Conejo mirando la luna de otoño", bronce, oro y plata, entre 1670 y 1744

  • Izumiya Tomotada, netsuke en forma de perro, finales del siglo XVIII

  • Eagle por Suzuki Chokichi, 1892, Museo Nacional de Tokio

  • Yamada Chozaburō, Dios del viento en hierro repujado , c. 1915

Subcontinente indio

Relieve de terracota hindú Gupta , siglo V EC, de Krishna matando al caballo Demon Keshi

La primera escultura conocida en el subcontinente indio es de la civilización del valle del Indo (3300-1700 a. C.), que se encuentra en los sitios de Mohenjo-daro y Harappa en el Pakistán actual . Estos incluyen la famosa pequeña bailarina de bronce y el llamado Rey Sacerdote . Sin embargo, estas figuras de bronce y piedra son raras y superadas en número por las estatuillas de cerámica y los sellos de piedra, a menudo de animales o deidades muy finamente representados. Después del colapso de la civilización del valle del Indo, hay pocos registros de escultura hasta la era budista, aparte de un tesoro de figuras de cobre de (algo controvertido) c. 1500 a. C. de Daimabad . [107] Por lo tanto, la gran tradición de la escultura monumental india en piedra parece comenzar, en relación con otras culturas, y el desarrollo de la civilización india, relativamente tarde, con el reinado de Asoka de 270 a 232 a. C., y los pilares de Ashoka que erigió. por la India, llevando sus edictos y coronado por famosas esculturas de animales, en su mayoría leones, de los cuales seis sobreviven. [108] Grandes cantidades de escultura figurativa, en su mayoría en relieve, sobreviven de las estupas de peregrinaje budistas tempranas, sobre todo Sanchi ; estos probablemente se desarrollaron a partir de una tradición que usaba madera que también abrazó el hinduismo . [109]

Las esculturas hindúes, jainistas y budistas de arenisca rosa de Mathura de los siglos I al III d.C. reflejaron tanto las tradiciones indias nativas como las influencias occidentales recibidas a través del arte greco-budista de Gandhara, y establecieron efectivamente las bases para la posterior escultura religiosa india. [109] El estilo se desarrolló y difundió en la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (c. 320-550), que sigue siendo un período "clásico" para la escultura india , que cubre las cuevas de Ellora anteriores , [110] aunque las cuevas de Elefanta son probablemente un poco más tarde. [111] La escultura posterior a gran escala sigue siendo casi exclusivamente religiosa, y en general bastante conservadora, a menudo volviendo a poses simples de pie frontal para deidades, aunque los espíritus asistentes como apsaras y yakshi a menudo tienen poses sensualmente curvas. La talla suele ser muy detallada, con un intrincado respaldo detrás de la figura principal en alto relieve. Los célebres bronces de la dinastía Chola (c. 850-1250) del sur de la India, muchos diseñados para ser llevados en procesiones, incluyen la forma icónica de Shiva como Nataraja , [112] con las enormes tallas de granito de Mahabalipuram que datan del Pallava anterior. dinastía. [113]

El sudeste de Asia

Jemer del siglo noveno dintel

La escultura de la región tiende a caracterizarse por un alto grado de ornamentación, como se ve en los grandes monumentos de la escultura hindú y budista jemer (siglos IX al XIII) en Angkor Wat y en otros lugares, el enorme complejo budista del siglo IX en Borobudur en Java y los monumentos hindúes de Bali . [114] Ambos incluyen muchos relieves y figuras redondas; Borobudur tiene 2.672 paneles en relieve, 504 estatuas de Buda, muchas semiocultas en estupas caladas y muchas figuras de grandes guardianes.

En Tailandia y Laos, la escultura era principalmente de imágenes de Buda , a menudo doradas, tanto grandes para templos y monasterios, como pequeñas figurillas para casas particulares. La escultura tradicional en Myanmar surgió antes del período de Bagan . Como en el resto de la región, la mayoría de las esculturas en madera de los períodos Bagan y Ava se han perdido.

Las esculturas anitistas tradicionales de Filipinas están dominadas por diseños anitistas que reflejan el medio utilizado y la cultura involucrada, mientras que se destacan por los entornos donde generalmente se colocan tales esculturas. Las esculturas cristianas e islámicas de Filipinas tienen motivos diferentes en comparación con otras esculturas cristianas e islámicas de otros lugares. En períodos posteriores, la influencia china predominó en Vietnam, Laos y Camboya, y sobreviven más esculturas de madera de toda la región.

islam

Marfil con restos de pintura, siglos XI-XII, Egipto

El islam tiene fama de anicónico , por lo que la gran mayoría de la escultura es decoración arabesca en relieve o calada, basada en motivos vegetales, pero que tiende a formas geométricas abstractas. En la muy temprana Fachada de Mshatta (740), ahora principalmente en Berlín , hay animales dentro de los densos arabescos en alto relieve, y figuras de animales y hombres en su mayoría en bajo relieve se encuentran junto con la decoración en muchas piezas posteriores en varios materiales. incluyendo trabajos en metal, marfil y cerámica. [115]

Las figuras de animales en círculo a menudo eran aceptables para obras utilizadas en contextos privados si el objeto era claramente práctico, por lo que el arte islámico medieval contiene muchos animales de metal que son aguamaniles , quemadores de incienso o partidarios de fuentes, como en los leones de piedra que sostienen el famoso. en la Alhambra , culminando en la figura animal islámica medieval más grande conocida, el Grifo de Pisa . De la misma manera, las tallas de piedra dura de lujo , como empuñaduras de dagas y copas, pueden formarse como animales, especialmente en el arte mogol . El grado de aceptabilidad de tales relajaciones de las estrictas reglas islámicas varía entre períodos y regiones, con la España islámica , Persia e India a menudo liderando la relajación, y es típicamente más alta en contextos cortesanos. [116]

África

Máscara de Gabón
Dos Chiwara c. finales del siglo XIX y principios del XX, Art Institute of Chicago . Estilos verticales femeninos (izquierda) y masculinos

Históricamente, con la excepción de algunas esculturas egipcias monumentales, la mayoría de las esculturas africanas se crearon en madera y otros materiales orgánicos que no han sobrevivido desde hace unos pocos siglos; Las figuras de cerámica más antiguas se encuentran en varias áreas. Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con las figuras humanas, a menudo muy estilizadas. Existe una gran variedad de estilos, que a menudo varían dentro del mismo contexto de origen dependiendo del uso del objeto, pero son evidentes amplias tendencias regionales; La escultura es más común entre "grupos de cultivadores asentados en las áreas drenadas por los ríos Níger y Congo " en África Occidental. [117] Las imágenes directas de deidades son relativamente poco frecuentes, pero las máscaras en particular se hacen o se hicieron a menudo para ceremonias religiosas; hoy en día muchos están hechos para los turistas como "arte de aeropuerto". [118] Las máscaras africanas influyeron en el arte modernista europeo , que se inspiró en su falta de interés por la representación naturalista.

El reino nubio de Kush en el Sudán moderno estaba en contacto estrecho y a menudo hostil con Egipto, y produjo esculturas monumentales en su mayoría derivadas de estilos del norte. En África occidental, las primeras esculturas conocidas son de la cultura Nok que prosperó entre 500 a. C. y 500 d. C. en la Nigeria moderna, con figuras de arcilla típicamente con cuerpos alargados y formas angulares. Más tarde, las culturas de África Occidental desarrollaron la fundición de bronce para los relieves para decorar palacios como los famosos Bronces de Benin , y muy finas cabezas reales naturalistas de la ciudad yoruba de Ife en terracota y metal de los siglos XII-XIV. Los pesos de oro akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas durante el período 1400-1900, algunas aparentemente representan proverbios y, por lo tanto, con un elemento narrativo raro en la escultura africana, y las insignias reales incluían impresionantes elementos esculpidos en oro. [119]

Muchas figuras de África occidental se utilizan en rituales religiosos y, a menudo, se recubren con materiales colocados sobre ellas para ofrendas ceremoniales. Los pueblos de habla mande de la misma región fabrican piezas de madera con superficies anchas y planas y brazos y piernas tienen forma de cilindros. En África Central, sin embargo, las principales características distintivas incluyen caras en forma de corazón que se curvan hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.

Las poblaciones de los Grandes Lagos africanos no son conocidas por su escultura. [117] Sin embargo, un estilo de la región son las esculturas de postes, talladas en formas humanas y decoradas con formas geométricas, mientras que la parte superior está tallada con figuras de animales, personas y varios objetos. Estos postes, entonces, se colocan junto a las tumbas y se asocian con la muerte y el mundo ancestral. La cultura conocida de Gran Zimbabwe dejó edificios más impresionantes que esculturas, pero las ocho aves de esteatita de Zimbabwe parecen haber tenido un significado especial y estaban montadas sobre monolitos . Los escultores modernos de Zimbabwe en esteatita han logrado un considerable éxito internacional . Las figuras de arcilla más antiguas conocidas del sur de África datan del 400 al 600 d.C. y tienen cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.

  • Nok terracota, siglo VI a. C. - siglo VI d. C.

  • Cabeza de Ife , terracota , probablemente siglos XII al XIV d. C.

  • Escultura de cabeza de bronce yoruba , Ife , Nigeria c. Siglo 12

  • Escultura de una 'Reina Madre' de Benin, siglo XVI.

  • Máscara de marfil del siglo XVI de Benin

  • Uno de los bronces de Benin , siglos XVI al XVIII, Nigeria.

  • Máscara de Burkina Faso , del siglo XIX.

  • Figura de Mambila , Nigeria

Etiopía y Eritrea

La creación de esculturas en Etiopía y Eritrea se remonta a su antiguo pasado con los reinos de Dʿmt y Aksum . El arte cristiano se estableció en Etiopía con la conversión del paganismo al cristianismo en el siglo IV d.C., durante el reinado del rey Ezana de Axum . [120] Imágenes cristianas decoraron iglesias durante el período Asksumite y épocas posteriores. [121] Por ejemplo, en Lalibela , se grabaron santos de tamaño natural en la iglesia de Bet Golgotha; por tradición, estos se hicieron durante el reinado del gobernante Zagwe Gebre Mesqel Lalibela en el siglo XII, pero es más probable que fueran elaborados en el siglo XV durante la dinastía salomónica . [122] Sin embargo, la Iglesia de San Jorge, Lalibela , uno de varios ejemplos de arquitectura excavada en la roca en Lalibela que contiene tallas intrincadas, fue construida en los siglos X-XIII, como lo demuestra la arqueología. [123]

Sudán

En el antiguo Sudán , el desarrollo de la escultura se extiende desde la simple cerámica de la cultura Kerma que comienza alrededor del 2500 a. C. hasta la monumental estatua y arquitectura del Reino de Kush , su última fase, el período meroítico, que termina alrededor del 350 d. C. (con su conquista por Aksum de Etiopía). [124] [125] Más allá de los artículos de cerámica, la cultura Kerma también fabricaba muebles que contenían esculturas, como pezuñas de ganado de oro como patas de camas. [124] La escultura durante el Reino de Kush incluyó estatuas de tamaño completo (especialmente de reyes y reinas), figurillas más pequeñas (más comúnmente representando a sirvientes reales) y relieves en piedra, que fueron influenciados por la tradición escultórica del antiguo Egipto contemporáneo. [126] [127]

Las Americas

La escultura en lo que hoy es América Latina se desarrolló en dos áreas separadas y distintas, Mesoamérica en el norte y Perú en el sur. En ambas áreas, la escultura fue inicialmente de piedra y luego de terracota y metal a medida que las civilizaciones en estas áreas se volvieron más competentes tecnológicamente. [128] La región mesoamericana produjo esculturas más monumentales, desde las enormes obras en forma de bloques de las culturas olmeca y tolteca , hasta los soberbios bajorrelieves que caracterizan a las culturas maya y azteca . En la región andina, las esculturas eran típicamente pequeñas, pero a menudo muestran una habilidad excelente.

Precolombino

América del norte

Panel de St. James , desde el retablo de la Iglesia Cristo Rey, Santa Fe, Nuevo México , c. 1760

En América del Norte, la madera fue esculpida para tótems , máscaras, utensilios, canoas de guerra y una variedad de otros usos, con distintas variaciones entre diferentes culturas y regiones. Los estilos más desarrollados son los de la costa noroeste del Pacífico , donde se desarrolló un conjunto de estilos formales elaborados y altamente estilizados que forman la base de una tradición que continúa en la actualidad. Además de los famosos tótems, las fachadas de las casas pintadas y talladas se complementaron con postes tallados por dentro y por fuera, así como figuras mortuorias y otros elementos. Entre los inuit del extremo norte, todavía se mantienen los estilos tradicionales de talla en marfil y esteatita. [129]

La llegada de la cultura católica europea adaptó fácilmente las habilidades locales al estilo barroco predominante , produciendo retablos enormemente elaborados y otras esculturas principalmente de iglesia en una variedad de estilos híbridos. [130] El más famoso de estos ejemplos en Canadá es el área del altar de la basílica de Notre Dame en Montreal, Quebec, que fue tallado por campesino habitant obreros. Más tarde, los artistas formados en la tradición académica occidental siguieron estilos europeos hasta que a fines del siglo XIX comenzaron a recurrir nuevamente a las influencias indígenas, en particular al estilo grotesco barroco mexicano conocido como churrigueresco . Los pueblos aborígenes también adaptaron la escultura de la iglesia en variaciones del gótico carpintero ; un ejemplo famoso es la Iglesia de la Santa Cruz en Skookumchuck Hot Springs, Columbia Británica .

La historia de la escultura en los Estados Unidos después de la llegada de los europeos refleja la fundación del país en los valores cívicos republicanos romanos y el cristianismo protestante en el siglo XVIII . En comparación con las áreas colonizadas por los españoles, la escultura tuvo un comienzo extremadamente lento en las colonias británicas, casi sin lugar en las iglesias, y solo se vio impulsada por la necesidad de afirmar la nacionalidad después de la independencia. La escultura estadounidense de mediados a finales del siglo XIX era a menudo clásica, a menudo romántica, pero mostraba una inclinación por un realismo dramático, narrativo, casi periodístico. Los edificios públicos durante el último cuarto del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX a menudo proporcionaron un marco arquitectónico para la escultura, especialmente en relieve. En la década de 1930, el estilo internacional de arquitectura y diseño y art deco caracterizado por el trabajo de Paul Manship y Lee Lawrie y otros se hizo popular. En la década de 1950, la educación tradicional en escultura sería reemplazada casi por completo por una preocupación por el diseño abstracto influenciada por la Bauhaus . La escultura minimalista reemplazó a la figura en entornos públicos y los arquitectos dejaron casi por completo de usar la escultura en sus diseños. Los escultores modernos (siglo XXI) utilizan diseños de inspiración clásica y abstracta. A partir de la década de 1980, hubo un giro hacia la escultura pública figurativa; para el año 2000, muchas de las nuevas piezas públicas en los Estados Unidos tenían un diseño figurativo.

Avanzando hacia el arte moderno

Siglo XIX-principios del XX, modernismo temprano y realismo continuo

Edgar Degas , Pequeño bailarín de catorce años , fundido en 1922 a partir de una escultura de técnica mixta modelada c. 1879–80, bronce, parcialmente teñido, con algodón

El clasicismo moderno contrastaba en muchos sentidos con la escultura clásica del siglo XIX, que se caracterizaba por compromisos con el naturalismo ( Antoine-Louis Barye ), el sentimentalismo melodramático ( François Rude ) ( Jean-Baptiste Carpeaux ) o una especie de grandiosidad señorial ( Lord Leighton ). A medida que avanzaba el siglo, se tomaron varias direcciones diferentes en la tradición clásica, pero el estudio del modelo vivo y la tradición posrrenacentista seguía siendo fundamental para ellos. Auguste Rodin fue el escultor europeo más renombrado de principios del siglo XX. [131] [132] A menudo se le considera un impresionista escultórico , al igual que sus alumnos, incluidos Camille Claudel y Hugo Rheinhold , que intentan modelar un momento fugaz de la vida ordinaria. El clasicismo moderno mostró un menor interés por el naturalismo y un mayor interés por la estilización formal. Se prestó mayor atención a los ritmos de volúmenes y espacios, así como también a las cualidades contrastantes de la superficie (abierta, cerrada, plana, rota, etc.) mientras que se prestó menos atención a la narración de historias y detalles convincentes de anatomía o vestuario. . Se prestó más atención al efecto psicológico que al realismo físico, y se utilizaron influencias de estilos anteriores en todo el mundo.

Los primeros maestros del clasicismo moderno incluyeron: Aristide Maillol , Alexander Matveyev , Joseph Bernard , Antoine Bourdelle , Georg Kolbe , Libero Andreotti , Gustav Vigeland , Jan Stursa , Constantin Brâncuși . A medida que avanzaba el siglo, el clasicismo moderno fue adoptado como el estilo nacional de los dos grandes imperios totalitarios europeos: la Alemania nazi y la Rusia soviética , que cooptaron el trabajo de artistas anteriores como Kolbe y Wilhelm Lehmbruck en Alemania [133] y Matveyev en Rusia. Durante los 70 años de la URSS, se capacitó y eligió a nuevas generaciones de escultores dentro de su sistema, y ​​se desarrolló un estilo distinto, el realismo socialista , que volvió al énfasis del siglo XIX en el melodrama y el naturalismo.

La formación clásica se extrajo de la educación artística en Europa Occidental (y América) en 1970 y las variantes clásicas del siglo XX fueron marginadas en la historia del modernismo. Pero el clasicismo continuó como la base de la educación artística en las academias soviéticas hasta 1990, proporcionando una base para el arte figurativo expresivo en toda Europa del Este y partes de Oriente Medio. Para el año 2000, la tradición clásica europea conserva un gran atractivo para el público, pero espera una tradición educativa para revivir su desarrollo contemporáneo.

Algunos de los clásicos modernos se volvieron más decorativos / art decó ( Paul Manship , Jose de Creeft , Carl Milles ) o más abstractamente estilizados o más expresivos (y góticos) ( Anton Hanak , Wilhelm Lehmbruck , Ernst Barlach , Arturo Martini ), o se volvieron más al Renacimiento ( Giacomo Manzù , Venanzo Crocetti ) o se mantuvo igual ( Charles Despiau , Marcel Gimond ).

Modernismo

Gaston Lachaise , Figura flotante 1927, bronce, núm. 5 de una edición de 7, National Gallery of Australia

Los movimientos de escultura modernista incluyen el cubismo , la abstracción geométrica , De Stijl , el suprematismo , el constructivismo , el dadaísmo , el surrealismo , el futurismo , el formalismo , el expresionismo abstracto , el arte pop , el minimalismo , el arte de la tierra y el arte de instalación, entre otros.

Henry Moore , Large Reclining Figure , 1984 (basado en un modelo más pequeño de 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith , CUBI VI, (1963), Museo de Israel , Jerusalén .

En los primeros días del siglo XX, Pablo Picasso revolucionó el arte de la escultura cuando comenzó a crear sus construcciones combinando objetos y materiales dispares en una sola pieza de escultura construida; el equivalente escultórico del collage en el arte bidimensional. El advenimiento del surrealismo llevó a que ocasionalmente se describieran cosas como "escultura" que no lo habrían sido antes, como "escultura involuntaria" en varios sentidos, incluido el coulage . En años posteriores, Picasso se convirtió en un alfarero prolífico , lo que llevó, con interés en la cerámica histórica de todo el mundo, a un renacimiento del arte cerámico , con figuras como George E. Ohr y, posteriormente, Peter Voulkos , Kenneth Price y Robert Arneson . Marcel Duchamp originó el uso del " objeto encontrado " (francés: objet trouvé) o readymade con piezas como Fountain (1917).

Del mismo modo, el trabajo de Constantin Brâncu ati a principios de siglo allanó el camino para la escultura abstracta posterior. En rebelión contra el naturalismo de Rodin y sus contemporáneos de finales del siglo XIX, Brâncuși destiló temas hasta su esencia, como lo ilustran las formas elegantemente refinadas de su serie Bird in Space (1924). [134]

El impacto de Brâncuși, con su vocabulario de reducción y abstracción, se ve a lo largo de las décadas de 1930 y 1940, y se ejemplifica en artistas como Gaston Lachaise , Sir Jacob Epstein , Henry Moore , Alberto Giacometti , Joan Miró , Julio González , Pablo Serrano , Jacques Lipchitz [ 135] y en la década de 1940 la escultura abstracta fue impactada y expandida por Alexander Calder , Len Lye , Jean Tinguely y Frederick Kiesler, quienes fueron pioneros del arte cinético .

Los escultores modernistas se perdieron en gran medida el enorme auge del arte público resultante de la demanda de monumentos de guerra para las dos guerras mundiales, pero a partir de la década de 1950, el público y los organismos encargados se sintieron más cómodos con la escultura modernista y las grandes comisiones públicas, tanto abstractas como figurativas, se hicieron comunes . Picasso recibió el encargo de hacer una maqueta para una enorme escultura pública de 50 pies (15 m) de altura, el llamado Chicago Picasso (1967). Su diseño fue ambiguo y algo controvertido, y lo que representa la figura no está claro; podría ser un pájaro, un caballo, una mujer o una forma totalmente abstracta.

A finales de la década de 1950 y la de 1960, los escultores abstractos comenzaron a experimentar con una amplia gama de nuevos materiales y diferentes enfoques para crear su trabajo. Imágenes surrealistas, abstracción antropomórfica, nuevos materiales y combinaciones de nuevas fuentes de energía y superficies y objetos variados se convirtieron en características de gran parte de la nueva escultura modernista. Los proyectos de colaboración con paisajistas, arquitectos y arquitectos paisajistas expandieron el sitio al aire libre y la integración contextual. Artistas como Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder , Jean Tinguely , Richard Lippold , George Rickey , Louise Bourgeois y Louise Nevelson llegaron a caracterizar el aspecto de la escultura moderna.

En la década de 1960 predomina el expresionismo abstracto , la abstracción geométrica y el minimalismo , que reduce la escultura a sus rasgos más esenciales y fundamentales. Algunas obras de la época son: las obras de Cubi de David Smith y las obras de acero soldado de Sir Anthony Caro , así como la escultura soldada de una gran variedad de escultores, la obra a gran escala de John Chamberlain y las obras de instalación ambiental a escala. por Mark di Suvero . Otros minimalistas incluyen a Tony Smith , Donald Judd, Robert Morris , Anne Truitt , Giacomo Benevelli , Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre y John Safer, quienes agregaron movimiento y monumentalidad al tema de la pureza de línea. [136]

Durante las décadas de 1960 y 1970, la escultura figurativa de artistas modernistas en formas estilizadas fue realizada por artistas como Leonard Baskin , Ernest Trova , George Segal , Marisol Escobar , Paul Thek , Robert Graham en un estilo articulado clásico y Fernando Botero trayendo su pintura 'sobredimensionada figuras 'en esculturas monumentales.

Galería de escultura modernista

Movimientos contemporáneos

Christo y Jeanne-Claude , Umbrellas 1991, Japón [137]
Dispositivo para erradicar el mal (1997) escultura de Dennis Oppenheim en
Palma de Mallorca , Plaça de la Porta de Santa Catalina

Las obras de arte ambiental y específico del sitio están representadas por artistas: Andy Goldsworthy , Walter De Maria , [138] Richard Long , Richard Serra , Robert Irwin , [139] George Rickey y Christo y Jeanne-Claude llevaron la escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones. Los artistas crearon esculturas ambientales en sitios expansivos en el grupo de proyectos ' Land Art in the American West '. Estas obras de escultura a escala ambiental de land art o 'earth art' ejemplificadas por artistas como Robert Smithson , Michael Heizer , James Turrell ( Roden Crater ). Eva Hesse , Sol LeWitt , Jackie Winsor , Keith Sonnier , Bruce Nauman y Dennis Oppenheim entre otros fueron pioneros de la escultura posminimalista .

También durante las décadas de 1960 y 1970 artistas tan diversos como Eduardo Paolozzi , Chryssa , Claes Oldenburg , George Segal , Edward Kienholz , Nam June Paik , Wolf Vostell , Duane Hanson y John DeAndrea exploraron la abstracción, las imágenes y la figuración a través del videoarte , el medio ambiente y la luz. escultura y arte de instalación de nuevas formas.

El arte conceptual es un arte en el que el (los) concepto (s) o la (s) idea (s) involucradas en la obra tienen prioridad sobre las preocupaciones estéticas y materiales tradicionales. Las obras incluyen One and Three Chairs , 1965, es de Joseph Kosuth , y An Oak Tree de Michael Craig-Martin , y las de Joseph Beuys , James Turrell y Jacek Tylicki .

Minimalismo

Posminimalismo

Géneros contemporáneos

Embarcadero en espiral de Robert Smithson , en 2005

Algunas formas de escultura moderna ahora se practican al aire libre, como el arte ambiental y la escultura ambiental , a menudo a la vista de los espectadores. Escultura de luz , escultura arte callejero y arte site-specific también a menudo hacen uso del medio ambiente. La escultura de hielo es una forma de escultura efímera que utiliza el hielo como materia prima. Es popular en China, Japón, Canadá, Suecia y Rusia. Las esculturas de hielo aparecen decorativamente en algunas cocinas, especialmente en Asia. Las esculturas cinéticas son esculturas diseñadas para moverse, entre las que se incluyen los móviles . Las esculturas de nieve generalmente se tallan en un solo bloque de nieve de aproximadamente 6 a 15 pies (1.8 a 4.6 m) de cada lado y pesan entre 20 y 30 toneladas. La nieve se apila densamente en una forma después de haber sido producida por medios artificiales o recolectada del suelo después de una nevada. Las esculturas sonoras toman la forma de instalaciones de sonido en interiores, instalaciones al aire libre como arpas eólicas, autómatas o estar más o menos cerca de instrumentos musicales convencionales. La escultura sonora suele ser un lugar específico. Los juguetes artísticos se han convertido en otro formato para los artistas contemporáneos desde finales de la década de 1990, como los producidos por Takashi Murakami y Kid Robot , diseñados por Michael Lau , o hechos a mano por Michael Leavitt (artista) . [140]

Conservación

Daño visible debido a la lluvia ácida en una escultura.

Las esculturas son sensibles a las condiciones ambientales como la temperatura , la humedad y la exposición a la luz y la luz ultravioleta . La lluvia ácida también puede dañar determinados materiales de construcción y monumentos históricos. Esto se produce cuando el ácido sulfúrico de la lluvia reacciona químicamente con los compuestos de calcio en las piedras (piedra caliza, arenisca, mármol y granito) para crear yeso , que luego se desprende.

En cualquier momento, muchas esculturas contemporáneas se han exhibido generalmente en lugares públicos; el robo no era un problema ya que las piezas se reconocían al instante. A principios del siglo XXI, el valor del metal aumentó a tal punto que el robo de esculturas de bronce masivas por el valor del metal se convirtió en un problema; escultura por valor de millones siendo robada y fundida por el valor relativamente bajo del metal, una pequeña fracción del valor de la obra de arte. [141]

Ver también

Notas

  1. ^ en.museicapitolini.org (en italiano).
  2. ^ a b "Dioses en color: escultura pintada de la antigüedad clásica" Septiembre de 2007 a enero de 2008, Museo Arthur M. Sackler Archivado el 4 de enero de 2009 en la Wayback Machine.
  3. ↑ a b Véase, por ejemplo, Martin Robertson, A short history of Greek art , p. 9, Cambridge University Press, 1981, ISBN  978-0-521-28084-6
  4. ^ NGA, función de Washington en exposición.
  5. ↑ Los Ptolomeos comenzaron la tradición helenística de retratos de gobernantes en monedas, y los romanos comenzaron a mostrar políticos muertos en el siglo I a. C., siendo Julio César la primera figura viviente en ser retratada; bajo los emperadores, los retratos de la familia imperial se convirtieron en estándar. Véase Burnett, 34–35; Howgego, 63–70.
  6. ^ Artículo de Morris Cox.
  7. ^ Parte de laexposición Gods in Color . Exposición de Harvard Archivado el 6 de octubre de 2014 en la Wayback Machine.
  8. ↑ Cook, 147; señala que los copistas griegos antiguos parecen haber utilizado muchos menos puntos que algunos posteriores, y las copias a menudo varían considerablemente tanto en la composición como en el acabado.
  9. ^ "Animación flash del proceso de fundición a la cera perdida" . Escultura de James Peniston . Consultado el 30 de noviembre de 2008 .
  10. ^ Ravi, B. (2004). "Fundición de metales - Descripción general" (PDF) . Oficina de Eficiencia Energética, India. Cite journal requiere |journal=( ayuda )
  11. ^ Museo Británico - La Copa Licurgo.
  12. ^ Williams, Arthur (2005). La referencia de la escultura ilustrada . Gulfport, MS. pag. 179. ISBN 978-0-9755383-0-2.
  13. ^ Museo V&A, Técnicas de escultura: modelado en arcilla Archivado el 2 de agosto de 2012 en Wayback Machine , consultado el 31 de agosto de 2012.
  14. ↑ Rawson, 140–44; Frankfort 112-13; Henig, 179–80.
  15. ↑ Rawson, 134–35.
  16. ^ Burford, Alison, "Grecia, antigua, §IV, 1: Escultura monumental: descripción general, 5 c)" en Oxford Art Online , consultado el 24 de agosto de 2012.
  17. ↑ Olsen, 150–51; Desafilado.
  18. ^ Biblioteca virtual judía, Historia de la escultura judía.
  19. ^ P. Mellars, Arqueología y la dispersión de los humanos modernos en Europa: Deconstrucción de la antropología evolutiva aurignaciana , vol. 15 (2006), págs. 167–82.
  20. ^ de Laet, Sigfried J. (1994). Historia de la Humanidad: Prehistoria y comienzos de la civilización . UNESCO. pag. 211. ISBN 978-92-3-102810-6.
  21. ^ Cook, J. (2013) Arte de la Edad de Hielo: llegada de la mente moderna , Museo Británico, ISBN  978-0-7141-2333-2 .
  22. ↑ Sandars, 8-16, 29-31.
  23. ^ Hahn, Joachim, "Europa prehistórica, §II: Paleolítico 3. Arte portátil" en Oxford Art Online , consultado el 24 de agosto de 2012; Sandars, 37–40.
  24. ^ Kleiner, Fred (2009). El arte de Gardner a través de las edades: la perspectiva occidental, volumen 1 . pag. 36. ISBN 978-0-495-57360-9.
  25. ↑ Sandars, 75–80.
  26. ↑ Sandars, 253−57, 183−85.
  27. ↑ Frankfort, 24-37.
  28. ↑ Frankfort, 45–59.
  29. ↑ Frankfort, 61–66.
  30. ↑ Frankfort, Capítulos 2-5.
  31. ↑ Frankfort, 110-12.
  32. ↑ Frankfort, 66–74.
  33. ↑ Frankfort, 71–73.
  34. ↑ Frankfort, 66–74, 167.
  35. ↑ Frankfort, 141–93.
  36. ↑ Smith, 33 años.
  37. ↑ Smith, 12-13 y nota 17.
  38. ↑ Smith, 21-24.
  39. ↑ Smith, 170–78, 192–94.
  40. ↑ Smith, 102-03, 133-34.
  41. ↑ Smith, 4–5, 208–09.
  42. ^ Smith, 89–90.
  43. ^ imágenes de Getty Villa 85.AA.103
  44. ↑ Cook, 72, 85-109; Boardman, 47–59
  45. ^ "Investigación" . Glyptoteket . Consultado el 23 de septiembre de 2017 .
  46. ^ "Color de seguimiento" . www.trackingcolour.com . Consultado el 23 de septiembre de 2017 .
  47. ↑ Cook, 109-19; Boardman, 87–95.
  48. ^ Lapatin, Kenneth DS, Phidias , Oxford Art Online , consultado el 24 de agosto de 2012.
  49. ↑ Cook, 119–31.
  50. ↑ Cook, 131–41.
  51. ^ Alejandro el grande y la época helenística, p. xiii. P. verde ISBN  978-0-7538-2413-9 .
  52. ↑ Cook, 142–56.
  53. ↑ Cook, 142–54.
  54. ↑ Cook, 155–58.
  55. ↑ Strong, 58–63; Hennig, 66–69.
  56. ↑ Hennig, 24 años.
  57. ↑ Henig, 66–69; Strong, 36–39, 48; En el juicio de Verres , ex gobernador de Sicilia,el procesamiento de Cicerón detalla con gran detalle sus depredaciones de las colecciones de arte.
  58. ↑ Henig, 23-24.
  59. ↑ Henig, 66–71.
  60. ↑ Henig, 73–82; Strong, 48–52, 80–83, 108–17, 128–32, 141–59, 177–82, 197–211.
  61. ↑ Henig, Capítulo 6; Strong, 303-15.
  62. ↑ Henig, Capítulo 8.
  63. ↑ Strong, 171–76, 211–14.
  64. ↑ Kitzinger, 9 (ambas citas), más generalmente su Cap. 1; Strong, 250–57, 264–66, 272–80.
  65. ↑ Strong, 287–91, 305–08, 315–18; Henig, 234–40.
  66. ↑ Robinson, 12, 15.
  67. ^ Dodwell, Capítulo 2.
  68. ↑ Calkins, 79–80, 90–102.
  69. ↑ Calkins, 107-14.
  70. ↑ Calkins, 115–32.
  71. ^ Honor y Fleming, 297–300; Henderson, 55, 82–84.
  72. ↑ Olson, 11-24; Honor y Fleming, 304; Henderson, 41 años.
  73. ↑ Snyder, 65–69.
  74. ↑ Snyder, 305-11.
  75. ^ [1] Característica del Museo V&A en el Retablo de Swansea de alabastro de Nottingham.
  76. ^ Calkins, 193–98.
  77. ↑ Cherry, 25–48; Henderson, 134–41.
  78. ↑ Olson, 41–46, 62–63.
  79. ↑ Olson, 45–52 y véase el índice.
  80. ↑ Olson, 114-18, 149-50.
  81. ↑ Olson, 149–50.
  82. ↑ Olson, 103-10, 131-32.
  83. ↑ Olson, Capítulo 8, 179–81.
  84. ↑ Olson, 179–82.
  85. ↑ Olson, 183–87.
  86. ↑ Olson, 182–83.
  87. ^ Olson, 194-202.
  88. ↑ Boucher, 134–42 sobre la capilla Cornaro ; consulte el índice de Bernini en general.
  89. ↑ Boucher, 16-18.
  90. ^ Honor y Fleming, 450.
  91. ^ Honor y Fleming, 460–67.
  92. ↑ Boardman, 370–78; Harle, 71–84.
  93. ↑ Boardman, 370–78; Sickman, 85–90; Paine, 29-30.
  94. ↑ Rawson, Capítulo 1, 135–36.
  95. ↑ Rawson, 138–38.
  96. ↑ Rawson, 135–45, 145–63.
  97. ↑ Rawson, 163–65
  98. ^ Rawson, Capítulos 4 y 6.
  99. ↑ Rawson, 135.
  100. ^ a b Rawson, Jessica (1999). "Sistemas de diseño en el arte chino temprano" . Orientaciones : 52. Archivado desde el original el 18 de octubre de 2020 . Consultado el 18 de octubre de 2020 .
  101. ^ a b "Aviso del Museo de Historia de Shaanxi" . Museo de Historia de Shaanxi .
  102. ^ Subperíodo de Jomon medio Archivado el 25 de mayo de 2009en la Wayback Machine , Museo de Historia de la Prefectura de Niigata, consultado el 15 de agosto de 2012.
  103. ^ Paine y Soper, 30–31.
  104. ^ Kotobank, Jōchō. El Asahi Shimbun .
  105. ^ Kotobank, escuela de Kei. El Asahi Shimbun.
  106. ^ Paine y Soper, 121.
  107. ↑ Harle, 17-20.
  108. ↑ Harle, 22-24.
  109. ↑ a b Harle, 26–38.
  110. ↑ Harle, 87; su Parte 2 cubre el período.
  111. ↑ Harle, 124.
  112. ↑ Harle, 301-10, 325-27.
  113. ^ Harle, 276–84.
  114. ^ Honor y Fleming, 196-200.
  115. ↑ Piotrovsky y Rogers, 23, 26-27, 33-37.
  116. ↑ Piotrovsky y Rogers, 23, 33-37.
  117. ↑ a b Honor & Fleming, 557.
  118. ^ Honor y Fleming, 559–61.
  119. ^ Honor y Fleming, 556–61.
  120. ^ De Lorenzi (2015), págs. 15-16.
  121. ^ Briggs (2015), p. 242.
  122. ↑ a b Briggs (2015), pág. 331.
  123. ^ Sobania (2012), p. 462.
  124. ↑ a b Harkless (2006), p. 174.
  125. ^ " Arte nubio archivado el 28 de mayo de 2018 en la Wayback Machine ". Museo de Bellas Artes de Boston . Consultado el 28 de mayo de 2018.
  126. ^ Harkless (2006), págs. 174–75.
  127. ^ Marzo de 2011. " Nubia: Antiguos reinos de África ". Instituto para el Estudio del Mundo Antiguo (Universidad de Nueva York). Consultado el 28 de mayo de 2018.
  128. ^ Castedo, Leopoldo, A History of Latin American Art and Architecture , Nueva York: Frederick A. Praeger, Publisher, 1969.
  129. ^ Honor y Fleming, 553–56.
  130. ^ Neumeyer, Alfred, La contribución india a la decoración arquitectónica en la América colonial española . The Art Bulletin , junio de 1948, volumen XXX, número dos.
  131. ^ Elsen, Albert E. (2003). Arte de Rodin: Colección Rodin del Centro de Artes Visuales Iris & Gerald B. Cantor . Oxford: Prensa de la Universidad de Oxford. ISBN  0-19-513381-1 .
  132. ↑ Rodin to Now: Modern Sculpture , Palm Springs Desert Museum.
  133. ^ Curtis, Penelpoe, Tomando posiciones: Escultura figurativa y el Tercer Reich , Instituto Henry Moore, Londres, 2002.
  134. ^ Artes visuales en el siglo XX, autor Edward Lucie-Smith, edición ilustrada, editor Harry N. Abrams, 1997, original de la Universidad de Michigan, ISBN  978-0-8109-3934-9
  135. ^ El diccionario de Oxford de arte y artistas estadounidenses, autora Ann Lee Morgan, editorial Oxford University Press, 2007, original de la Universidad de Michigan, ISBN  0-19-512878-8 , 978-0-19-512878-9
  136. ^ El Museo Nacional del Aire y el Espacio recibe unaescultura de ascenso para exhibirla en el Centro Udvar-Hazy [2] [ enlace muerto permanente ]
  137. ^ NY Times, Paraguas aplasta a la mujer
  138. ^ Museo Guggenheim Archivado el 4 de enero de 2013 en la Wayback Machine.
  139. ^ Fundación Dia
  140. ^ "Art Army por Michael Leavitt", hypediss.com [3] , 13 de diciembre de 2006.
  141. ^ BBC: Escultura de Barbara Hepworth robada de Dulwich Park, 20 de diciembre de 2011 . Ejemplo de robo de una gran escultura de bronce por el valor del metal.

Referencias

  • Boucher, Bruce, Escultura barroca italiana , 1998, Thames & Hudson (Mundo del arte), ISBN  0-500-20307-5
  • Blunt Anthony , Artistic Theory in Italy, 1450-1660 , OUP, 1940 (referencias a la edición de 1985), ISBN  0-19-881050-4
  • Boardman, John ed., The Oxford History of Classical Art , OUP, 1993, ISBN  0-19-814386-9
  • Briggs, Philip (2015) [1995]. Etiopía . Chalfont St Peter: Guías de viaje de Bradt. ISBN  978-1-84162-922-3 .
  • Burnett, Andrew, Coins; Interpretación del pasado , Universidad de California / Museo Británico, 1991, ISBN  0-520-07628-1
  • Calkins, Robert G .; Monumentos de arte medieval , Dutton, 1979, ISBN  0-525-47561-3
  • Cherry, John. The Holy Thorn Reliquary , 2010, British Museum Press (objetos del Museo Británico en foco), ISBN  0-7141-2820-1
  • Cook, RM , Greek Art , Penguin, 1986 (reimpresión de 1972), ISBN  0-14-021866-1
  • De Lorenzi, James (2015). Guardianes de la Tradición: Historiadores y Escritura Histórica en Etiopía y Eritrea . Rochester: Prensa de la Universidad de Rochester. ISBN  978-1-58046-519-9 .
  • Dodwell, CR , Arte anglosajón, Una nueva perspectiva , 1982, Manchester University Press, ISBN  0-7190-0926-X
  • Frankfort, Henri , The Art and Architecture of the Ancient Orient , Pelican History of Art, 4a ed 1970, Penguin (ahora Yale History of Art), ISBN  0-14-056107-2
  • Harkless, Necia Desiree (2006). Faraones nubios y reyes meroíticos: el reino de Kush . Bloomington, Indiana: AuthorHouse. ISBN  1-4259-4496-5 .
  • Harle, JC, El arte y la arquitectura del subcontinente indio , 2ª ed. 1994, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN  0-300-06217-6
  • Henderson, George. Gótico , 1967, Pingüino, ISBN  0-14-020806-2
  • Henig, Martin (ed.), A Handbook of Roman Art , Phaidon, 1983, ISBN  0-7148-2214-0
  • Paine, Robert Treat , en: Paine, RT, & A. Soper, The Art and Architecture of Japan , 3a ed. 1981, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN  0-14-056108-0
  • Hugh Honor y John Fleming, A World History of Art , 1ª ed. 1982 (muchas ediciones posteriores), Macmillan, Londres, referencias de página a 1984, primera edición de Macmillan en rústica. ISBN  0-333-37185-2
  • Howgego, Christopher, Historia antigua de monedas , Routledge, 1995, ISBN  0-415-08993-X
  • Kitzinger, Ernst , Arte bizantino en ciernes: líneas principales de desarrollo estilístico en el arte mediterráneo, siglos III-VII , 1977, Faber & Faber, ISBN  0-571-11154-8 (Estados Unidos: Cambridge UP, 1977)
  • Olson, Roberta JM, Escultura renacentista italiana , 1992, Thames & Hudson (Mundo del arte), ISBN  978-0-500-20253-1
  • Rawson, Jessica (ed.). The British Museum Book of Chinese Art , 2007 (2a ed.), British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2446-9
  • Piotrovsky, MB y JM Rogers (eds), Heaven on Earth: Art from Islamic Lands , 2004, Prestel, ISBN  3-7913-3055-1
  • Robinson, James, Obras maestras del arte medieval , 2008, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2815-3
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, ahora Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn .; primeras fechas ahora reemplazadas)
  • Scholten, Frits (2011). Escultura y orfebrería europea. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 978-1-58839-441-5.
  • Sickman, Laurence, en: Sickman L., & A. Soper, "El arte y la arquitectura de China", Pelican History of Art , 3ª ed. 1971, Penguin (ahora Yale History of Art), LOC 70-125675
  • Simón, Josué. Neomaterialismo , Berlín: Sternberg Press, 2013, ISBN  978-3-943365-08-5
  • Smith, W. Stevenson y Simpson, William Kelly. El arte y la arquitectura del antiguo Egipto , 3ª ed. 1998, Yale University Press (Penguin / Yale History of Art), ISBN  0-300-07747-5
  • Snyder, James . Arte del Renacimiento del Norte , 1985, Harry N. Abrams, ISBN  0-13-623596-4
  • Sobania, Neal W. (2012), "Lalibela", en Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Diccionario de biografía africana , Oxford: Oxford University Press, pág. 462, ISBN  978-0-19-538207-5 .
  • Sobania, Neal W. (2012). "Lalibela", en Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Diccionario de biografía africana . Oxford: Prensa de la Universidad de Oxford. ISBN  978-0-19-538207-5 .
  • Strong, Donald, et al., Roman Art , 1995 (2a ed.), Yale University Press (Penguin / Yale History of Art), ISBN  0-300-05293-6
  • Williams, Dyfri. Obras maestras del arte clásico , 2009, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2254-0

enlaces externos