Video musical
Un video musical es un cortometraje o video , de duración variable, que integra una canción o álbum con imágenes que se producen con fines promocionales o artísticos . Los videos musicales modernos se crean y utilizan principalmente como un dispositivo de marketing destinado a promover la venta de grabaciones musicales . También hay casos en los que las canciones se utilizan en campañas de marketing vinculadas que les permiten convertirse en algo más que una canción. Las ataduras y la comercialización se pueden utilizar para juguetes o para alimentos u otros productos.
Aunque los orígenes del video musical se remontan a los cortometrajes musicales que aparecieron por primera vez en la década de 1920, volvieron a cobrar importancia en la década de 1980 cuando el canal MTV (originalmente "Music Television") basó su formato en el medio. Antes de la década de 1980, este tipo de videos se describían con varios términos, como " canción ilustrada " , "inserto filmado", "película promocional (promocional)", "clip promocional", "video promocional", "video de la canción", "canción clip "o" clip de película ".
Los videos musicales utilizan una amplia gama de estilos y técnicas contemporáneas de creación de videos, incluida la animación , la acción en vivo , el documental y los enfoques no narrativos, como el cine abstracto . Algunos videos musicales combinan diferentes estilos con música, como animación y acción en vivo. La combinación de estos estilos y técnicas se ha vuelto más popular debido a la variedad para la audiencia. Muchos videos musicales interpretan imágenes y escenas de la letra de la canción, mientras que otros adoptan un enfoque más temático. Es posible que otros videos musicales no tengan ningún concepto, ya que son solo una versión filmada del concierto en vivo de la canción. [1]
Historia y desarrollo
En 1894, los editores de partituras Edward B. Marks y Joe Stern contrataron al electricista George Thomas ya varios artistas para promover las ventas de su canción " The Little Lost Child ". [2] Usando una linterna mágica , Thomas proyectó una serie de imágenes fijas en una pantalla simultáneamente a las presentaciones en vivo. Esto se convertiría en una forma popular de entretenimiento conocida como la canción ilustrada , el primer paso hacia el video musical. [2]
1926-1959: talkies, soundies y cortometrajes
En 1926, con la llegada de los " talkies " , se produjeron muchos cortometrajes musicales . Los cortos de Vitaphone (producidos por Warner Bros. ) incluyeron muchas bandas, vocalistas y bailarines. El artista de animación Max Fleischer presentó una serie de dibujos animados cortos para cantar llamados Screen Songs , que invitaban al público a cantar canciones populares "siguiendo la pelota que rebota", que es similar a una máquina de karaoke moderna. Las caricaturas de principios de la década de 1930 presentaban a músicos populares interpretando sus canciones exitosas en cámara en segmentos de acción en vivo durante las caricaturas . Las primeras películas animadas de Walt Disney , como los cortos de Silly Symphonies y especialmente Fantasia , que presentaban varias interpretaciones de piezas clásicas, se construyeron en torno a la música. Las Warner Bros. dibujos animados, incluso hoy en día considerado como Looney Tunes y Merrie Melodies , fueron formados inicialmente en torno a canciones específicas de Warner Bros. próximas películas musicales . También se distribuyeron a los cines cortos musicales de acción en vivo, con artistas tan populares como Cab Calloway .
La cantante de blues Bessie Smith apareció en un cortometraje de dos carretes llamado St. Louis Blues (1929) con una interpretación dramatizada de la exitosa canción. Numerosos otros músicos aparecieron en temas musicales cortos durante este período.
Soundies , producidas y lanzadas entre 1940 y 1947, eran películas musicales que a menudo incluían secuencias breves de baile, similares a videos musicales posteriores.
A mediados de la década de 1940, el músico Louis Jordan hizo cortometrajes para sus canciones, algunos de los cuales se fusionaron en un largometraje, Lookout Sister . Estas películas fueron, según el historiador de la música Donald Clarke , los "antepasados" de los videos musicales. [3]
Las películas musicales fueron otro precursor importante de un video musical, y varios videos musicales conocidos han imitado el estilo de los musicales clásicos de Hollywood desde la década de 1930 hasta la de 1950. Uno de los ejemplos más conocidos es el video de Madonna de 1985 para " Material Girl " (dirigido por Mary Lambert ) [4] que se inspiró en la puesta en escena de Jack Cole de " Diamonds Are a Girl's Best Friend " de la película Gentlemen Prefer Blondes. . Varios de los videos de Michael Jackson muestran la influencia inconfundible de las secuencias de baile en los musicales clásicos de Hollywood, incluido el emblemático " Thriller " y " Bad ", dirigida por Martin Scorsese , que fue influenciada por las estilizadas "peleas" de baile en la versión cinematográfica. de West Side Story . [5] Según el Internet Accuracy Project, el DJ / cantante JP " The Big Bopper " Richardson fue el primero en acuñar la frase "video musical", en 1959. [6]
En su autobiografía, Tony Bennett afirma haber creado "... el primer video musical" cuando fue filmado caminando por el Serpentine en Hyde Park, Londres en 1956, y el clip resultante se configuró para su grabación de la canción " Stranger in Paraíso ". [7] El clip fue enviado a las estaciones de televisión del Reino Unido y los Estados Unidos y se emitió en espectáculos como Dick Clark 's American Bandstand . [8]
El ejemplo más antiguo de un video musical promocional con similitudes con videos más abstractos y modernos parece ser el de Checoslovaquia "Dáme si do bytu" ("Vayamos al apartamento") creado en 1958 y dirigido por Ladislav Rychman . [9] [10]
1960-1973: clips promocionales
A finales de la década de 1950 [11] se inventó en Francia la Scopitone , una máquina de discos visual, y muchos artistas franceses produjeron cortometrajes, como Serge Gainsbourg , Françoise Hardy , Jacques Dutronc y el belga Jacques Brel para acompañar sus canciones. Su uso se extendió a otros países y se patentaron máquinas similares como Cinebox en Italia y Color-sonic en EE. UU. [11] En 1961, para el programa producido en Canadá Singalong Jubilee , Manny Pittson comenzó a pregrabar el audio de la música, fue al lugar y grabó varias imágenes con los músicos sincronizando los labios, luego editó el audio y el video juntos. La mayoría de los números musicales se grabaron en el estudio en el escenario, y los "videos" de las tomas de locaciones fueron para agregar variedad. [12] En 1964, Kenneth Anger 's experimental cortometraje, Scorpio Rising utilizan canciones populares en lugar de diálogo.
En 1964, el productor de The Moody Blues Alex Murray quería promover su versión de " Go Now ". El clip del cortometraje que produjo y dirigió para promover el sencillo tiene un estilo visual sorprendente que es anterior al video similar " Bohemian Rhapsody " de Queen en una década completa. También es anterior a lo que hicieron los Beatles con las películas promocionales de su sencillo " Paperback Writer " y de la cara B " Rain ", ambos lanzados en 1966.
En el mismo año, los Beatles protagonizaron su primer largometraje, A Hard Day's Night , dirigida por Richard Lester . Filmada en blanco y negro y presentada como un documental simulado , intercala secuencias de comedia y diálogo con tonos musicales. Las secuencias musicales proporcionaron plantillas básicas sobre las que se modelaron numerosos videos musicales posteriores. Fue el modelo directo de la exitosa serie de televisión estadounidense The Monkees (1966-1968), que también se compuso de segmentos de películas que se crearon para acompañar varias canciones de Monkees. [13] El segundo largometraje de The Beatles, Help! (1965), fue un asunto mucho más lujoso, filmado en color en Londres y en locaciones internacionales. La secuencia de la pista principal, filmada en blanco y negro, es posiblemente uno de los principales arquetipos del video musical moderno con estilo de interpretación, que emplea cortes transversales rítmicos, tomas largas y primeros planos contrastantes, tomas y ángulos de cámara inusuales. como la toma a los 50 segundos de la canción, en la que la mano izquierda de George Harrison y el mástil de su guitarra se ven nítidos en primer plano mientras la figura completamente desenfocada de John Lennon canta de fondo.
En 1965, los Beatles comenzaron a hacer clips promocionales (entonces conocidos como "inserciones filmadas") para su distribución y transmisión en diferentes países, principalmente Estados Unidos, para poder promocionar sus lanzamientos de discos sin tener que hacer apariciones en persona. Su primer lote de películas promocionales filmadas a fines de 1965 (incluido su sencillo en ese momento, " Day Tripper " / " We Can Work It Out "), eran piezas de interpretación bastante sencillas, imitadas en el estudio (aunque a veces en sets tontos) y destinado a integrarse a la perfección con programas de televisión como Top of the Pops y Hullabaloo . Cuando los Beatles dejaron de viajar a finales de 1966, sus películas promocionales, al igual que sus grabaciones, se habían vuelto muy sofisticadas. En mayo de 1966 filmaron dos series de clips promocionales en color para su sencillo actual " Rain " / " Paperback Writer ", todos dirigidos por Michael Lindsay-Hogg , [14] quien pasó a dirigir The Rolling Stones Rock and Roll Circus y The Beatles ' película final, Let It Be . Los clips promocionales en color de " Strawberry Fields Forever " y " Penny Lane ", realizados a principios de 1967 y dirigidos por Peter Goldman, [15] llevaron el formato de la película promocional a un nuevo nivel. Utilizaron técnicas tomadas de la película underground y de vanguardia, incluida la película invertida y cámara lenta, iluminación dramática, ángulos de cámara inusuales y filtrado de color agregado en la postproducción. A finales de 1967, el grupo estrenó su tercera película, el proyecto de una hora hecho para televisión Magical Mystery Tour ; fue escrito y dirigido por el grupo y transmitido por primera vez en la BBC en el Boxing Day de 1967. Aunque fue mal recibido en ese momento por carecer de una estructura narrativa, demostró que el grupo era cineasta musical aventurero por derecho propio.
Las películas de conciertos se estrenaron a mediados de la década de 1960, al menos ya en 1964, con el TAMI Show .
El clip monocromático de 1965 para " Subterranean Homesick Blues " de Bob Dylan filmado por DA Pennebaker apareció en el documental de Dylan de Pennebaker, Dont Look Back . Evitando cualquier intento de simular una actuación o presentar una narrativa, el clip muestra a Dylan parado en un callejón de la ciudad, barajando silenciosamente una serie de grandes tarjetas de referencia (con palabras clave de la letra de la canción). Muchos "encartes filmados" fueron producidos por artistas del Reino Unido para que pudieran ser proyectados en televisión cuando las bandas no estaban disponibles para presentarse en vivo. Pink Floyd fueron pioneros en la producción de películas promocionales para sus canciones, entre ellas " San Francisco: Film ", dirigida por Anthony Stern , " Scarecrow ", " Arnold Layne " e " Interstellar Overdrive ", esta última dirigida por Peter Whitehead , quien también hizo varios clips para The Rolling Stones entre 1966 y 1968. En el Reino Unido, The Kinks hizo uno de los primeros clips promocionales de " trama " para una canción. Para su single " Dead End Street " (1966) se hizo una película cómica en miniatura. Según los informes, la BBC se negó a transmitir el clip porque se consideró que era de "mal gusto". [16] The Who apareció en varios clips promocionales en este período, comenzando con su clip de 1965 para " I Can't Explain ". El clip de la trama de " Happy Jack " (1966) muestra a la banda actuando como una banda de ladrones. La película promocional de " Call Me Lightning " (1968) cuenta la historia de cómo el baterista Keith Moon se unió al grupo: Los otros tres miembros de la banda están tomando el té dentro de lo que parece un hangar abandonado cuando de repente llega una "caja sangrante". de la cual salta un lapso de tiempo de ejecución rápida, Moon que los otros miembros posteriormente intentan agarrar en una secuencia de persecución de bufonadas aceleradas para calmarlo. En 1966, Nancy Sinatra filmó un clip de su canción " These Boots Are Made for Walkin ' ". Roy Orbison apareció en clips promocionales, como su éxito de 1968, "Walk On". [17]
Los Rolling Stones aparecieron en muchos clips promocionales de sus canciones en la década de 1960. En 1966, Peter Whitehead dirigió dos clips promocionales para su sencillo " Have You Seen Your Mother, Baby, Standing In The Shadow? " [18] En 1967, Whitehead dirigió un clip promocional en color para el sencillo de los Stones " We Love You ". , que se emitió por primera vez en agosto de 1967. [19] Este clip presentaba imágenes aceleradas de la grabación del grupo en el estudio, intercaladas con un juicio simulado que claramente alude a los enjuiciamientos por drogas de Mick Jagger y Keith Richards en ese momento. La novia de Jagger, Marianne Faithfull, aparece en las escenas del juicio y le presenta al "juez" (Richards) lo que puede ser la infame alfombra de piel que había aparecido de manera tan prominente en los informes de prensa sobre la redada de drogas en la casa de Richards a principios de 1967. hacia atrás, revela a un Jagger aparentemente desnudo con cadenas alrededor de los tobillos. El clip concluye con escenas de los Stones en el estudio intercaladas con imágenes que se habían utilizado previamente en el clip promocional de la "versión de concierto" de "Have You Seen Your Mother, Baby". El grupo también filmó un clip promocional en color para la canción " 2000 Light Years From Home " (de su álbum Their Satanic Majesties Request ) dirigida por Michael Lindsay-Hogg . [18] En 1968, Michael Lindsay-Hogg dirigió tres clips para su sencillo " Jumpin 'Jack Flash " / "Child Of The Moon", un clip en color para "Child Of The Moon" y dos clips diferentes para "Jumpin' Jack Flash". ". En 1968, colaboraron con Jean-Luc Godard en la película Sympathy for the Devil , que mezcló la política de Godard con metraje documental de la evolución de la canción durante las sesiones de grabación.
A finales de 1972-73, David Bowie apareció en una serie de películas promocionales dirigidas por el fotógrafo pop Mick Rock , quien trabajó extensamente con Bowie en este período. Rock dirigió y editó cuatro clips para promocionar cuatro sencillos consecutivos de David Bowie: " John, I'm Only Dancing " (mayo de 1972), " The Jean Genie " (noviembre de 1972), y el relanzamiento estadounidense de " Space Oddity " en diciembre de 1972. y el lanzamiento en 1973 del sencillo " Life on Mars? " (extraído del anterior álbum de Bowie, Hunky Dory ). El clip de "John, I'm Only Dancing" se hizo con un presupuesto de sólo 200 dólares y se filmó en el ensayo de la tarde del concierto de Bowie en el Rainbow Theatre el 19 de agosto de 1972. Muestra a Bowie y la banda imitando el disco intercalado con imágenes de la compañía de mimos de Lindsay Kemp , bailando en el escenario y detrás de una pantalla retroiluminada. El clip fue rechazado por la BBC, que según los informes encontró desagradables los matices homosexuales de la película, por lo que Top of the Pops lo reemplazó con imágenes de ciclistas y una bailarina. [20] El clip de "Jean Genie", producido por sólo 350 dólares, se filmó en un día y se editó en menos de dos días. Se intercalan imágenes de Bowie y la banda en concierto con imágenes contrastantes del grupo en un estudio fotográfico, vistiendo trajes de escenario negros y de pie sobre un fondo blanco. También incluye imágenes de locaciones con Bowie y Cyrinda Foxe (una empleada de MainMan y amiga de David y Angie Bowie ) filmadas en San Francisco afuera del famoso Mars Hotel , con Fox posando provocativamente en la calle mientras Bowie descansa contra la pared, fumando. [21]
La música country también retomó la tendencia de los clips de películas promocionales para publicitar canciones. Sam Lovullo, el productor de la serie de televisión Hee Haw , explicó que su programa presentó "lo que fueron, en realidad, los primeros videos musicales", [22] mientras que JMI Records hizo lo mismo con la canción de Don Williams de 1973 " The Shelter of Your Ojos ". [23] El historiador de la música country Bob Millard escribió que JMI fue pionero en el concepto de video de música country al "producir una película de 3 minutos" para acompañar la canción de Williams. [23] Lovullo dijo que sus videos fueron conceptualizados haciendo que el personal del programa fuera a áreas rurales cercanas y filmaran animales y granjeros, antes de editar el metraje para que se ajustara a la historia de una canción en particular. "El material de video fue un elemento de producción muy viable para el programa", escribió. "Proporcionó historias con imágenes para las canciones. Sin embargo, algunos de nuestros invitados sintieron que los videos desviaron la atención de sus presentaciones en vivo, que esperaban promoverían las ventas de discos. Si tenían una canción exitosa, no querían reproducirla bajo el cómic metraje de corral ". La reacción mixta del concepto finalmente significó el fin del concepto de "video" en Hee Haw . [22] Sin embargo, se siguieron produciendo películas promocionales de canciones de música country.
1974-1980: inicios de la televisión musical
Los programas de televisión australianos Countdown and Sounds , que se estrenaron en 1974, fueron importantes para desarrollar y popularizar lo que más tarde se convertiría en el género de videos musicales en Australia y otros países, y para establecer la importancia de los clips de películas promocionales como un medio para promover ambos. actos emergentes y nuevos lanzamientos por actos establecidos. A principios de 1974, el ex-DJ de radio Graham Webb lanzó un programa musical de televisión semanal para adolescentes que se proyectaba en el ATN-7 de Sydney los sábados por la mañana; esto pasó a llamarse Sounds Unlimited en 1975 y luego se redujo simplemente a Sounds . En busca de material para el programa, Webb se acercó al miembro del personal de la sala de redacción de Seven, Russell Mulcahy, y le pidió que filmara metraje para acompañar canciones populares para las que no había clips especiales (por ejemplo , " Everybody's Talkin " de Harry Nilsson ). Con este método, Webb y Mulcahy reunieron una colección de alrededor de 25 clips para el programa. El éxito de sus primeros esfuerzos animó a Mulcahy a dejar su trabajo en televisión y convertirse en director a tiempo completo, e hizo clips para varios actos australianos populares, incluidos Stylus , Marcia Hines , Hush y AC / DC . [24] A medida que ganó popularidad, el coordinador de talentos de Countdown Ian "Molly" Meldrum y el productor Michael Shrimpton se dieron cuenta rápidamente de que los "clips de películas" se estaban convirtiendo en un nuevo producto importante en el marketing musical. A pesar del minúsculo presupuesto del programa, el director original de Countdown , Paul Drane , pudo crear varios videos musicales memorables especialmente para el programa, incluidos los clásicos clips de películas de los éxitos de AC / DC " It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll) "y" Jailbreak ". [24] Después de mudarse al Reino Unido a mediados de la década de 1970, Mulcahy realizó exitosas películas promocionales para varios actos pop británicos destacados; sus primeros créditos en el Reino Unido incluyeron " Making Plans for Nigel " (1979) de XTC y su histórico videoclip para The " Video Killed the Radio Star " de Buggles (1979), que se convirtió en el primer video musical reproducido en MTV en 1981. [25]
En 1975, Queen contrató a Bruce Gowers para hacer un video promocional para mostrar su nuevo sencillo " Bohemian Rhapsody " en la serie musical de la BBC Top of the Pops . Según el historiador del rock Paul Fowles, la canción es "ampliamente reconocida como el primer sencillo de éxito mundial en el que un vídeo de acompañamiento fue fundamental para la estrategia de marketing". [26] Rolling Stone ha dicho de "Bohemian Rhapsody": "Su influencia no puede ser exagerada, prácticamente inventando el video musical siete [sic] años antes de que MTV saliera al aire". [27]
Video Concert Hall , creado por Jerry Crowe y Charles Henderson y lanzado el 1 de noviembre de 1979, fue la primera programación de música en video a nivel nacional en la televisión estadounidense, anterior a MTV en casi dos años. [28] [29] [30] [31] Elprograma Night Flight de USA Cable Network fue uno de los primeros programas estadounidenses en exhibir estos videos como una forma de arte.
En 1980, el video musical de " Ashes to Ashes " de David Bowie se convirtió en el más caro jamás realizado , con un costo de producción de $ 582,000 (equivalente a $ 1.83 millones en 2020), el primer video musical en tener un costo de producción de más de $ 500,000. . [32] El video se hizo en color solarizado con escenas en blanco y negro y se filmó en diferentes lugares, incluida una habitación acolchada y una orilla rocosa. [33] El video se convirtió en uno de los más icónicos jamás realizados en ese momento, y su naturaleza compleja se considera significativa en la evolución del video musical.
El mismo año, el grupo neozelandés Split Enz tuvo un gran éxito con el sencillo " I Got You " y el álbum True Colors , y ese mismo año produjeron un conjunto completo de clips promocionales para cada canción del álbum (dirigido por su percusionista , Noel Crombie ) y comercializarlos en videocasete. A esto le siguió un año más tarde el álbum de videos, The Completion Backward Principle de The Tubes , dirigido por el teclista del grupo, Michael Cotten, que incluía dos videos dirigidos por Russell Mulcahy ("Talk to Ya Later" y "Don't Want esperar más "). [34] Entre los primeros videos musicales se encuentran los clips producidos por el ex-Monkee Michael Nesmith , quien comenzó a hacer cortometrajes musicales para Saturday Night Live . [13] En 1981, lanzó Elephant Parts , el primer ganador de un Grammy por video musical, dirigido por William Dear. Billboard acredita [28] al Video Concert Hall producido de forma independiente como el primero con programación de música en video a nivel nacional en la televisión estadounidense. [29] [30] [31]
1981-1991: los videos musicales se generalizan
En 1981, la de EE.UU. canal de vídeo MTV puso en marcha, que se transmite " El vídeo mató a la estrella de radio ", de The Buggles y comenzando una era de música 24 horas al día en la televisión. Con esta nueva salida de material, el video musical, a mediados de la década de 1980, crecería hasta desempeñar un papel central en el marketing de la música popular. Muchos actos importantes de este período, sobre todo Adam and the Ants , Duran Duran y Madonna , deben gran parte de su éxito a la hábil construcción y al atractivo seductor de sus videos.
Dos innovaciones clave en el desarrollo del video musical moderno fueron el desarrollo de equipos de edición y grabación de video relativamente económicos y fáciles de usar , y el desarrollo de efectos visuales creados con técnicas como la composición de imágenes . [ cita requerida ] El advenimiento de grabadoras de video en color de alta calidad y cámaras de video portátiles coincidió con el espíritu de bricolaje de la era de la nueva ola , [ cita requerida ] permitiendo que muchos artistas pop produzcan videos promocionales de manera rápida y económica, en comparación con los relativamente altos costos de usar película. Sin embargo, a medida que el género se desarrolló, los directores de videos musicales recurrieron cada vez más a la película de 35 mm como medio preferido, mientras que otros mezclaron películas y videos. Durante la década de 1980, los videos musicales se habían convertido en algo de rigor para la mayoría de los artistas discográficos. El fenómeno fue parodiado por el programa de comedia de televisión de la BBC Not The Nine O'Clock News, que produjo un video musical falso "Nice Video, Shame About The Song". (El título era una parodia de un éxito pop reciente "Nice Legs, Shame About Her Face").
En este período, los directores y los actos con los que trabajaron comenzaron a explorar y expandir la forma y el estilo del género, utilizando efectos más sofisticados en sus videos, mezclando películas y videos y agregando una historia o trama al video musical. Ocasionalmente se hicieron videos en forma no representativa , en los que no se mostraba al artista musical. Debido a que los videos musicales están destinados principalmente a promover al artista, dichos videos son comparativamente raros; Tres ejemplos de principios de la década de 1980 son " Atlantic City " de Bruce Springsteen , dirigida por Arnold Levine, el video de David Mallet para " Under Pressure " de David Bowie y Queen , y el video de Ian Emes para " The Chauffeur " de Duran Duran . . Un ejemplo posterior notable del estilo no representativo es el innovador video de 1987 de Bill Konersman para " Sign o 'the Times " de Prince [35] , influenciado por el clip "Subterranean Homesick Blues" de Dylan, que incluía solo el texto de la letra de la canción. .
A principios de la década de 1980, los videos musicales también comenzaron a descubrir temas políticos y sociales. Los ejemplos incluyen los videos musicales de " China Girl " de David Bowie y " Let's Dance " (1983) que discutieron temas raciales. [36] En una entrevista de 1983, Bowie habló sobre la importancia de usar videos musicales para abordar problemas sociales: "Tratemos de usar el formato de video como una plataforma para algún tipo de observación social, y no solo desperdiciarlo en trotar y probar para realzar la imagen pública del cantante involucrado ”. [37]
En 1983, se lanzó uno de los videos musicales más exitosos, influyentes e icónicos de todos los tiempos: el video de casi 14 minutos de duración de la canción " Thriller " de Michael Jackson , dirigida por John Landis . El video estableció nuevos estándares para la producción, con un costo de filmación de 800.000 dólares. [38] [39] El video de "Thriller", junto con videos anteriores de Jackson para sus canciones " Billie Jean " y " Beat It ", fueron fundamentales para que los videos musicales de artistas afroamericanos se reprodujeran en MTV. Antes del éxito de Jackson, los videos de artistas afroamericanos rara vez se reproducían en MTV: según MTV, esto se debía a que inicialmente se concibió como un canal orientado a la música rock, aunque el músico Rick James fue franco en sus críticas al canal de cable. , afirmando en 1983 que la negativa de MTV de transmitir el video musical de su canción " Super Freak " y clips de otros artistas afroamericanos fue "racismo descarado". [40] David Bowie también había criticado recientemente a MTV durante una entrevista que hizo con ellos antes del lanzamiento de "Thriller", afirmando que estaba "anonadado" por lo mucho que MTV descuidaba a los artistas negros, llamando la atención sobre cómo los videos de los "pocos artistas negros que uno ve" solo aparecieron en MTV entre las 2:00 am y las 6:00 am cuando nadie estaba mirando. [41]
El 5 de marzo de 1983, se lanzó Country Music Television (CMT), [42] creado y fundado por Glenn D. Daniels y conectado desde las instalaciones de Video World Productions en Hendersonville, Tennessee . El canal de video MuchMusic se lanzó en Canadá en 1984. En 1984, MTV también lanzó los MTV Video Music Awards (más tarde conocidos como VMA), un evento anual de premios que vendría a subrayar la importancia de MTV en la industria de la música. El evento inaugural premió a los Beatles y David Bowie con el Video Vanguard Award por su trabajo en la creación del video musical.
En 1985, Viacom de MTV lanzó el canal VH1 (entonces conocido como "VH-1: Video Hits One"), con música más suave y destinado a atender al grupo demográfico de baby boomers un poco mayor que estaba superando a MTV. A nivel internacional, MTV Europa se lanzó en 1987 y MTV Asia en 1991. Otro desarrollo importante en los videos musicales fue el lanzamiento de The Chart Show en el Canal 4 del Reino Unido en 1986. Este fue un programa que se compuso completamente de videos musicales (el único medio muchos videos tenían en la televisión británica en ese momento [ cita requerida ] ), sin presentadores. En cambio, los videos estaban vinculados por gráficos de computadora de última generación . El programa se trasladó a ITV en 1989.
El video de la canción de Dire Straits de 1985 " Money for Nothing " hizo un uso pionero de la animación por computadora y ayudó a que la canción se convirtiera en un éxito internacional. La canción en sí era un comentario irónico sobre el fenómeno de los videos musicales, cantada desde el punto de vista de un repartidor de electrodomésticos atraído y repelido por las extravagantes imágenes y personalidades que aparecían en MTV. En 1986, la canción de Peter Gabriel " Sledgehammer " utilizó efectos especiales y técnicas de animación desarrolladas por el estudio británico Aardman Animations . El video de "Sledgehammer" sería un éxito fenomenal [43] y ganaría nueve MTV Video Music Awards.
En 1988, el programa de MTV Yo! MTV Raps debutó; el espectáculo ayudó a llevar la música hip hop a una audiencia masiva por primera vez.
1992-2004: ascenso de los directores
En noviembre de 1992, MTV comenzó a incluir a Chris Cunningham , Michel Gondry , Spike Jonze , Floria Sigismondi , [44] Stéphane Sednaoui , Mark Romanek y Hype Williams, todos comenzaron en esta época; todos aportaron una visión y un estilo únicos a los videos que dirigieron. Algunos de estos directores, incluidos Gondry, Jonze, Sigismondi, [45] y F. Gary Gray , pasaron a dirigir largometrajes. Esto continuó una tendencia que había comenzado antes con directores como Lasse Hallström y David Fincher .
Dos de los videos dirigidos por Romanek en 1995 se destacan por ser dos de los tres videos musicales más caros de todos los tiempos : " Scream " de Michael y Janet Jackson , cuya producción supuestamente costó 7 millones de dólares, y " Bedtime Story " de Madonna . ", que costó 5 millones de dólares. A partir de esto, "Scream" es el video más caro hasta la fecha. A mediados y finales de la década de 1990, Walter Stern dirigió " Firestarter " de The Prodigy , " Bitter Sweet Symphony " de The Verve y " Teardrop " de Massive Attack . [46] [47]
Durante este período, MTV lanzó canales alrededor del mundo para mostrar videos musicales producidos en cada mercado local: MTV Latinoamérica en 1993, MTV India en 1996 y MTV Mandarin en 1997, entre otros. MTV2 , originalmente llamado "M2" y destinado a mostrar videos musicales más antiguos y alternativos, debutó en 1996.
En 1999, " Heartbreaker " de Mariah Carey , se convirtió en uno de los más caros jamás hechos , con un costo de más de $ 2.5 millones. [48]
De 1991 a 2001, Billboard tuvo sus propios premios a los videos musicales.
